Los iniciadores del Jazz clásico-1ªparte

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Louis Armstrong

Si el solo de jazz tuviera un único responsable, ese sería Louis Armstrong. Con las grabaciones de entre noviembre de 1925 y diciembre de 1928, cambió los horizontes musicales, poniendo su original estilo de trompeta a la altura de la brillantez requerida a cualquier virtuoso de la música clásica. A lo largo de los siguientes cuarenta años, su influencia se extendió más allá del jazz, convirtiéndose en uno de los artistas más apreciados en el mundo entero.

Nacido en 1901 en un barrio de Nueva Orleáns, parece que pasó una infancia truculenta. Hijo posiblemente ilegitimo, su madre, prostituta ocasional, le abandonó por un tiempo al cuidado de su abuela. Su educación fue escasa, pero como niño de la calle sacó provecho de la rica vida musical de su vecindario.

· Comprometido con la Coloured Waifs' Home empezó como trompa alto, su capacidad musical se desarrolló con rapidez y pronto fue ascendido a corneta. Su historia desde entonces encierra la propia historia del jazz: trabaja en los barcos del Mississippi. Se une a King Oliver en Chicago, lleva el swing a la banda de Fletcher Henderson y asciende al estrellato llegando a liderar su propia big-band. Todo ello ya se puede escuchar en “Potato Head Blues”.

· A principios de los años 30 Armstrong se fue de gira por Europa al frente de su propia big band. Aunque su calidad trompetística no dejó de evolucionar hasta alcanzar la absoluta maestría, su característico modo de cantar, cada vez más frecuente en las actuaciones, era muy apreciado por el público. En la década de los 40 abandonó la banda formando los All Stars, un nuevo tipo de grupo a la manera de Nueva Orleáns, en el que pasando por distintas fases permaneció hasta la muerte.

· Ya convertido en una figura popular por películas como High Society, realizó giras por todo el mundo, a menudo bajo los auspicios del Departamento de Estado. Conocido popularmente como Satchmo, un apodo cuyo uso no fomentaba pero toleraba, alcanzó las cotas mas altas de popularidad con “Hello Dolly” y “Wonderful World”. Tras su muerte en 1971, mas de veinte mil personas fueron a presentarle sus últimos respetos y el funeral fue emitido por televisión.

Duke Ellington

· Edward Kennedy Ellington nació en 1899 en Washington, en el seno de una familia de clase media. Al principio orientó su carrera hacia las artes plásticas. Fue más tarde cuando decidió dedicar su vida a la música. A mediados de los años 20 estaba ya dirigiendo un grupo al que llamaría los Washingtonians.

· En esa época, las preferencias del publico, mayoritariamente blanco, sobre todo en el renombrado Cotton Club, se decantaban hacia los sonidos de fuerte ascendencia africana que provenían del profundo sur. También solían trabajar como banda de soporte en cabarets.

· El genio de Ellington radica en la capacidad para extraer de sus músicos las mejores cualidades y potenciar sus peculiaridades. Por ejemplo, su primera banda incluía a los trompetistas Bubber Miley, especialista en solos violentamente abrasivos, y Arthur Whetsol que embellecía las melodías de un modo tal que, según Ellington, conseguía arrancar las lagrimas de la gente.

· Antes de la guerra, Ellington ya era inigualable. Algunos de sus estudios impresionistas se salían de lo corriente. De hecho, fue considerado un pionero por muchas de las bandas que se formaron en la era del swing. Alrededor de 1940, con el bajista Jimmy Blanton aportando mas brío a la sección rítmica, Ellington ató los cabos de su música para producir obras maestras como “Concertó For Cotie”, “Ko-ko”, y “Harlem Airshaft”.

· Tras la guerra hubo una fuerte desbandada de grupos que por suerte no afectó a Ellington. El estilo de sus actuaciones nunca cambió significativamente aunque el progreso que supuso la introducción del LP en la industria discográfica facilitó su innata tendencia a la composición de obras extensas. “Tone Parallel to Harlem” de 1950 ha pasado a la historia como probablemente su obra más lograda.

· El estilo de Ellington al piano, antaño ignorado, empezó a escucharse con mas fuerza. Sus resonantes acordes en “Ko-ko” aportan cierta frescura al arreglo orquestal. En este sentido destacan los duetos que grabó con Strayhorn y el trío con Charles Mingus y Max Roach. Todo ello ejerció una notable influencia en la música de Thelonius Monk.

· Diez años antes de su muerte, en 1974, le fue sorprendentemente denegado un Premio Pulitzer. Se trataba de simple discriminación racial o no podía el comité tomarse seriamente al compositor de algo como “Doing the Chocolate Shake” Ellington, con gran educación, le quitó hierro a la cuestión, comentando que el destino parecía no querer darle demasiada fama siendo todavía tan joven.

Billie Holiday

· Se ha hablado mucho de su infancia, llena de privaciones como el fondo sobre el que se forjó tanto su estilo como los posteriores desastres de su vida personal. Nacida en Baltimore en 1905, su madre fue incapaz de criarla y fue puesta a menudo al cuidado de manos ajenas. A la edad de once años un hombre fue acusado de haberla violado. Entretanto pasaba el tiempo escuchando discos de Louis Armstrong, Bessie Smith y otros intérpretes, decidida a escapar de la pobreza y convertirse en una estrella.

· Cualquiera que busque a la cantante paradigmática del jazz no deberá ir más allá de Billie Holiday. Esto no tiene que ver con la calidad de la voz tal como se entiende normalmente. Incluso durante la primera parte de una vida relativamente corta, su alcance vocal era limitado. Su sentido del ritmo, en cambio, era inigualable. Sabía instintivamente cuándo convenía ligar las notas y cuándo retardarlas, cautivaba a la audiencia de un modo que otros cantantes, quizá técnicamente mejores, eran incapaces de alcanzar.

· Se trasladó a Nueva York en 1929 para cantar en bares y restaurantes locales, y grabó sus primeros discos 4 años después junto a Benny Goodman. Su primera gran aparición fue en 1935 con una serie de grabaciones que incluían “What a Little Moonligth Con Do” y Miss Brown to You”. A raíz de todo ello consiguió un contrato para grabar bajo su propio nombre.

· Tanto estas como la mayoría de canciones que le proporcionaban no eran consideradas como el mejor materia para acceder a las listas de éxitos. Sin embargo, Holiday siempre fue capaz de arrancar los sonidos más sedosos del material más tosco. Cantada por cualquier otra, “Miss Brown to You” , sería hoy día una melodía olvidada, en lugar de haberse convertido en indispensable para cualquier discoteca que se precie.

· Los grupos que le hicieron de soporte incluían a algunos de los mejores músicos del momento, desde Teddy Wilson, actuando normalmente como líder, a Benny Goodman, Ben Webter o Roy Eldridge. La asociación más preciada para los oyentes, fue, sin duda, la que la unió a Lester Young. Tanto en los solos como cuando introducía contratemas en la letra, Young respiraba de un modo similar al de ella. Uno de los mejores duetos, de los muchos que protagonizaron, es el “This Year’s Kisses.

Trabajó por un tiempo con Young en la banda de Count Bassie, y más tarde con Artie Shaw, uno de los primeros ejemplos de cantante de color cuya banda estaba integrada por músicos blancos. El estilo de sus discos cambió. Aunque con más arreglos y menos solos, ello no mermó en ningún momento la calidad de su música; su voz había, todo caso, madurado. De esta época proviene el clásico antirracistas “Strange Fruit”. Poco después obtuvo un papel de relieve en la película New Orleans, interpretando a una criada.

Durante el resto de sus vida, trabajó mayoritariamente sola. En disco estaba normalmente acompañada por big bands o secciones de cuerdas, aunque ocasionalmente escogió formaciones más reducidas. Su voz se hizo probablemente más pesada y sus manierismos más predecibles, pero todavía podía marcar perfectamente el ritmo de cualquier canción. Las sesiones que protagonizó para Verve en los años cincuentas se hallan entre lo mejor, mientras que sus grabaciones finales, sobre todo “Lady in Satin”, son verdaderamente conmovedoras a pesar de su voz más chirriante.

Sus últimos años estuvieron asediados por la bebida y la adicción ocasional a las drogas. Su muerte por congestión pulmonar en 1959 ocurrió mientras se hallaba bajo arresto domiciliario por posesión de estupefacientes.

Art Tatum

· Nació en Toledo, Ohio, en 1909. Padeció de cataratas en ambos ojos lo que le dejó prácticamente ciego. A raíz de ello sus padres le mandaron a una escuela para niños impedidos. Allí desarrolló su extraordinario talento. Su carrera como pianista empezó bajo el influjo de Fats Waller. Poseía un oído admirable. Era capaz de rearmonizar cualquier melodía en el mismo momento en el que la escuchaba.

· También podía decir la cantidad de cerveza que había en su vaso por el sonido de la misma al ser servida. Nunca olvidaba una voz y su cabeza podía retener una cantidad de estadísticas deportivas suficiente como para llenar una enciclopedia. La velocidad de ejecución fue sólo la más evidente de sus cualidades. Aun así, permaneció en la sombra. Raramente fue entrevistado o filmado durante su vida y no se le concedió la atención que merecía hasta pasados treinta años desde su muerte.

· Su primer trabajo de cierta notoriedad fue acompañando a la cantante Adelaide Hall. Después, trabajaría normalmente en solitario, u ocasionalmente con un trío, los componentes más famosos del cual fueron Tiny Grimes a la guitarra y Slam Stewart al bajo. Sus aficiones preferidas eran tanto los juegos de cartas, que sostenía junto a su mejor ojo, como pasearse por los clubs nocturnos donde se reunían otros pianistas. Tatum, siempre dejaba tocar primero a los demás, pues nadie era capaz de seguirle.

· Para el oyente aficionado, el típico solo de Art Tatum consistía en rápidas escalas rellenando las pausas de la melodía. De hecho, lejos de simplemente embellecerla, Tatum se solía tomar enormes libertades con esta, alterando completamente la armonía o repiqueteando pasajes tremendamente complejos en su tempo real sin ni siquiera marcar el compás. Su técnica no parecía deberle mucho a la música europea: mantenía siempre los dedos planos sobre las teclas, tal como Monk y otros solían hacer, probablemente para asegurar que incluso los pianos “hechos para aporrear” reservados invariablemente para los clubs de jazz produjeran un sonido minimamente escuchable.

· Pocos pianistas tomaron el estilo de Tatum como ejemplo a imitar. Sin embargo su influencia llegó mucho más lejos. Se dice que Coleman Hawkins, renombrado maestro del saxo tenor, renovó su concepción tras escuchar a Tatum en Toledo en 1929. El adolescente Charlle Parker trabajó lavando platos en un restaurante de Nueva York tan sólo por el hecho de que Tatum tocaba allí.

• Aunque se sabe de su ambición como compositor, sus piezas recordaban a las canciones populares características de los musicales, con la salvedad de algunas como el “Humores que” de Dvorak o blueses ocasionales. Trabajaba normalmente en clubs de jazz y, ocasionalmente, daba algún concierto de mayor envergadura.