Los grandes del Jazz 22

 Elvis Costello

Declan Patrick MacManus nacido en Londres el 25 de agosto de 1954, conocido como Elvis Costello, es un músico, cantante y compositor británico.

Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la New Wave y el punk, movimientos con los que se asoció.

En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.

El disruptivo 1977 marca la carrera de Costello: a su fichaje por Stiff a inicios de año, le sigue la edición de su primer single Less than zero en abril, y de "Alison" en marzo, debutando en larga duración en verano con My aim is true, con un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el el Top40 en Estados Unidos). La portada con un Costello con Fender Jazzmaster en ristre, enormes gafas de pasta, piernas en cuña embutidas en pantalón pitillo, ecos estéticos al punk y a Buddy Holly y pose desafiante era una declaración de intenciones.

 La banda que acompañó la grabación fueron los americanos Clover, conjunto que en aquella época practicaba el country/root y que con el tiempo se convertiría en Huey Lewis and The News: ese mismo verano, Costello reclutó a lo que sería su banda estable, The Attractions, formada por Steve Nieve al piano, Bruce Thomas al bajo y Pete Thomas a la batería. El otoño participaría en la Stiff Live Package, con otros grupos del sello como Ian Dury, Wreckless Eric y Nick Lowe. A final de año Jack Riviera deja Stiff para fundar Radar Records a donde se llevaría a Lowe y Costello, publicando su último single Watching the detectives (grabado con el bajista y batería de Graham Parker and The Rumours) a final de año.

En los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y la nueva banda This Year's Model', otra colección de singles como fue el su debut, con un estilo igual de urgente e intenso pero más crudo y directo, acaso fruto de la escena punk vigente y desligado del pub-rock setentero y músicos de country-rock con los que grabó My aim is true y Armed Forces. Con este último álbum pretendería y alcanzaría un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver's Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el álbum entraría en el Top10 Estados Unidos, no así ninguno de sus singles). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.

Costello cierra los setenta como productor, dejando su impronta en el disco debut y homónimo de The Specials.Son conocidas sus incursiones en el mundo de la música clásica como es el caso de sus obras "The Juliette Letters" y "Il Sogno". En 1999, participa en el multitudinario festival de Woodstock, dando un emotivo show en ese caótico festival. Elvis Costello se casó con Diana Krall en diciembre de 2003 y tuvieron dos hijos gemelos el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York, Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.

En 2008 Costello presentó un programa de televisión llamado Elvis Costello with... (Elvis Costello con...), coproducido por CTV (Canadá), Channel 4 (Inglaterra) y Sundance Channel (Estados Unidos). El programa desarrollaba entrevistas en profundidad a miembros destacados del negocio musical. Su primer invitado fue Elton John. El espacio televisivo tenía fines benéficos, para recaudar dinero en la lucha contra el sida en África. 

Jamie Cullum

Jamie Cullum (Wiltshire, 20 de agosto de 1979), cantante inglés de jazz y pop. Jamie Cullum nació el 20 de agosto de 1979 en Romford, Essex (Inglaterra). Fue criado en Hullavington, Wiltshire pero actualmente reside en North West London. Empezó su carrera musical a los dieciséis años, tocando en bares, clubes y hoteles de su pueblo natal. Años más tarde se trasladó a la Universidad de Reading, para estudiar cine y literatura inglesa. Fue durante esta etapa cuando comenzó a componer y a tocar su propia música para acompañar los cortometrajes que hacía como parte de su curso.

Además, Cullum aprovechaba para dar algunos conciertos con su grupo Jamie Cullum Trio, de los cuales nació un primer disco titulado "Hear it all before", en 1999. Gracias al éxito de su primer disco, Jamie Cullum fue invitado a participar en el disco de Geoff Gascoyne. Luego logró sacar un segundo CD, "Pointless Nostalgic", el cual llamó la atención de personalidades de la talla de Michael Jackson, entre otros.

A pesar de que "Pointless Nostalgic" lo editó un sello de jazz pequeño (Candid), la música de Cullum atrajo la atención de la discográfica Universal Records. Esta firma le ofreció un contrato por un millón de libras para promocionar y grabar sus discos durante los siguientes cinco años, ganándole así la batalla a Sony. Tras muchos años intentando abrirse un hueco en  mundo del jazz, Cullum se encontraba ahora a las puertas del éxito.

En octubre de 2003, pocos meses después de firmar el contrato, Cullum lanzó «Twentysomething». Gracias a este trabajo, la nueva figura del jazz británico obtuvo el premio al «Mejor Artista Nuevo» en la BBC National Radio 3 Jazz Awards y fue nominado como "Artista Revelación" en los premios Brit Awards de ese año. Tras el gran éxito mundial, se estaba preparando su cuarto disco que fue lanzado en septiembre de 2005 en Inglaterra bajo el nombre de "Catching Tales". En este último trabajo se pudo ver un cambio en el que se incorporan nuevos sonidos sin dejar su base de jazz.

Jamie Cullum se ha convertido en uno de los principales referentes del jazz vocal actual, hasta el punto de ser considerado, por el público americano, como sucesor de Harry Connick Jr. Su prestigio le ha llevado incluso a adentrarse en el terreno del cine, donde ha sido autor del tema principal de la banda sonora de la película "El diario de Bridget Jones", El último tema para una película es "Gran Torino" dirigida por Clint Eastwood, fue nominada como mejor canción original en los "Golden Globe Awards". Ha sacado su último disco, The Pursuit.

Los grandes del Jazz 21

Sonny Rollins

Más que ningún otro músico de jazz actual, Theodore “Sonny” Rollins personifica el concepto del jazz como transmisión de un legado. Nació en 1930 en Nueva York. En su adolescencia solía salir en busca del autógrafo de Coleman Hawkins. Siempre identificado con los sonidos de la posguerra, convirtió en el primer saxo tenor que fundaba su arte en la sustancia de Lester Young más que en su estilo. En una carrera que duraría cerca de 50 años, llegó a incorporar elementos del free jazz y fusión sin cambiar sensiblemente su enfoque.

A los veinte y pocos años ya habla grabado con Bud Powell, Miles Davis y bajo su propio nombre, pero su verdadera carta de presentación vino después de un par de sesiones junto a Thelonius Monk. A medida que maduraba y su sonido perdía un cierto aire tristón, aprendió a adaptar el modo en que Monk desarrollaba los temas, adoptando melodías en función de su estructura armónica.

En 1954 se tomó el primero de sus años sabáticos que a partir de entonces puntearían regularmente su carrera. Poco después de su regreso, tocando mejor que nunca se unió al quinteto de Max Roach y Clifford Brown. Como parte de ese conjunto a lo largo de los años siguientes, tanto antes como después de la muerte de Brown, y también bajo su propio nombre, con Roach a la batería, grabó su colección más impresionante de discos.

Anticipando la corriente de usar métricas diferentes al compás 4/4, grabó el primer vals de jazz de la era moderna en Sonny Rollins Plus Pour. Pero su posición como el saxofonista más admirado fue usurpada por John Coltrane, y ello colaboró probablemente a su segunda retirada temporal de los escenarios, que duró dos años y vio su final en sus ensayos en el puente Williamsburg de Nueva York.

A su regreso, frustró todas las expectativas al no sonar en absoluto como Coltrane. En todo caso, su modo de tocar era más conservador pero denotaba una maestría aún mayor con el saxo. No podía, sin embargo, ignorar lo que estaba sucediendo en los sesenta. Así, sustituyó al guitarrista Jim Hall por el trompetista Don Cherry, que ya se había hecho un nombre junto a Ornette Coleman, y contrató, asimismo, al batería de Coleman, Billy Higgins.

Paulatinamente fue retirándose de los clubs favoreciendo los conciertos únicos, llenando los auditorios con un sonido más áspero que nunca y emitido de manera más consistente mediante un micrófono pinzado a la campana de su instrumento que le permitía pasearse por el escenario mientras tocaba. Sus solos se expandieron, principalmente como variaciones de la melodía aunque mezclados con pasajes que nadie, quizá ni siquiera él mismo, podía predecir. El repertorio incluía canciones del mismo Al Jonson, que ida variando en su duración, y encapsulaba ahora en espectaculares introducciones 0 codas.

Por un tiempo, Rollins se convirtió a la causa del jazz rock, aunque eso se notaba más en disco que en las actuaciones en vivo. Estas, a menudo de un impacto abrumador, se apartan de cualquier cosa que pueda ofrecerse actualmente, aunque su ejemplo ha llevado a saxofonistas más jóvenes a plantearse el desarrollo de los motivos por encima de los aderezos técnicos.

Stan Getz

Nacido en Filadelfia en 1927 fue parte integrante de los “Four Brother”, grupo que grabó el álbum del mismo nombre para Woody Herman, aunque protagonizó su verdadero debut con el álbum de Herman “Early Autumm”, grabado en 1948 cuando sólo contaba 21 años. En este queda reflejado su primera madurez como solista caracterizada por en sonido puro, duro, perfectamente controlado y explotado principalmente en el registro alto. John Coltrane empezaría a hacer algo semejante a mediados de los cincuenta (confirmando la talla de Getz), pero por aquel entonces él era el único. Bastante distanciado tanto de Miles Davis como de lo que procedía de la costa oeste, los solos de Getz supusieron una de las cimas de la corriente cool.

Getz demostró pronto otra cualidad. Sin ser un auténtico pionero, estaba siempre al corriente de las novedades para evitar estancarse, y no era menos que Davis en su habilidad como cazador de talentos. Tras probar fortuna un par de años con cuartetos que fomentaba el refinamiento de su propia manera de tocar contrató al pianista Horace Silver, todavía desconocido pero un acompañante minucioso e incansable, que impulsó el estilo de Getz a cotas más altas.

Los beneficios fueron evidentes en las grabaciones para el sello Verve, donde se aparejó con la mayoría de las vacas sagradas. Fuera de combate por un tiempo debido a un notorio caso de drogas, pasó un breve período en Europa antes de regresar para producir dos álbumes contrastantes: “Focus” (1961), probablemente el mejor álbum de jazz con sección de cuerda cuyos arreglos eran de Eddie Sauter, u “Jazz Samba” -seguido por “Getz/Gilberto- que puso la bossa nova en la esfera del jazz y llevó a Getz a la cima en las listas de éxitos.

En los años siguientes, apareció en variados ámbitos, encabezando un excelente cuarteto con el joven Gary Burton al vibrafono o de gira con el organista francés Eddie Louiss. Por un tiempo, sus actuaciones quedaron faltas de consistencia y admitió que buscaba nuevos caminos que no siempre podían recorrerse. Finalmente, adoptó la forma memorable de su década final. Se concentraba en melodías con un fuerte contenido melódico explotando su propio sonido, ya por entonces uno de los más poderosos jamás producidos por un saxo tenor.

La reminiscencia de su período cool existía, pero ahora su sonido contenía muchas más resonancia y sabiduría consiguiendo provocar los escalofríos más placenteros entre la audiencia. Los excelentes músicos que le acompañaban, incluyendo al pianista Kenny Barron y el baterista Victor Lewis, debieron de darse cuenta de que se hallaban en un medio privilegiado.

Aparte de unos años durante los cincuenta en los que los saxofonistas, sobre todo en Europa, intentaron emular su sonido y su fraseo, Getz tuvo pocos discípulos directos. Hay que resaltar, sin embargo el influjo que ejerció sobre John Coltrane que, a su vez, creó una gran escuela de tenores que raramente descendía a los registros más graves. Otra influencia marginal fue la que ejerció sobre Henderson, y no es pues coincidencia que Henderson se convirtiera en primer defensor de la música de Carlos Jobim, reviviendo varias melodías que Getz había grabado treinta años atrás.

Dizzy Gillespie

John Birks “Dizzy” Gillespie fue uno de los dos desencadenantes en la reacción que dio origen al Bebop. Él mismo admitió que Chalie Parker había dado el brillo final a la nueva música que él estaba gestando. Por entonces, ya era un original estilista de la trompeta y un teórico que sabía exactamente lo que hacía y era capaz de explicarlo a aquellos que estuvieran dispuesto a aprender. Recibió su apodo (dizzy, vertiginoso) porque era rápido e ingenioso como un zorro, y más allá de todas sus payasadas sobre el escenario, su cerebro musical era tan incuestionable como brava su técnica.

Nació en Cheraw, Carolina del Sur, en 1917, empezó como un brioso trampetista en el apogeo de la era del swing. Su modelo fue uno de los que en esa época hizo historia, Roy Eldridge, el más rápido y uno de los más sublimes. Dizzy llegó incluso a ocupar su puesto en la banda de Teddy Hill, yendo con él a Europa y colaborando en sus primeros discos. Para cuando se unió a Cob Calloway en 1939, la carrera de Gillespie estaba en plena ascensión., Sin embargo, un desacuerdo con Calloway le llevaron a los pequeños clubs de Nueva York donde estaban poniéndose en práctica las nuevas ideas.

• Finalmente, se juntó con Parker con quien compartió escenario en la banda de Billy Eckstine, entre otras. Grabaron juntos y formaron un grupo que estuvo trabajando en Nueva York antes de desplazarse al oeste, a donde se dirigieron para una memorable actuación en Los Ángeles. Parker se quedó allí, mientras Gillespie regresaba a Nueva York donde formó su segundo y más importante banda. Esta fue la banda que puso la palabra bebop en la escena musical. Gillespie fue también el primero en introducir ritmos latinos en las big band, contratando al percusionista cubano Chano Pozo e inspirando la fusión que subyace en el latin jazz de hoy día.

• En los años cincuenta, encabezó por un tiempo un pequeño grupo, pero el Departamento de Estado le alentó entonces para formar una nueva banda para la primera gira europea promovida oficialmente. Esta duró un par de años, después de los cuales regresó a los cuartetos y quintetos, el mejor de los cuales tuvo a James Moody a la flauta y el saxofón. Cabe destacar entre sus proyectos especiales la big band veteada de estrellas internacionales con la que estuvo de gira poco antes de su muerte en 1993.

• Los solos más audaces de Gillespie datan de los años cuarenta, tanto en la época que estuvo con Parker como cuando estuvo al frente de sus propio grupo. No obstante, alcanzó el clímax como trampetista en los cincuenta y sesenta, cuando su sonido, algo estridente en el pasado, se volvió más claro llegando a equipararse a su técnica.

Si, al contrario que Miles Davis, no consiguió rodearse continuamente de músicos con los ojos puestos en el futuro fue, en cambio, el improvisador más extravagante que el jazz a conocido. Él mismo definió su método como la captura de notas en el aire para hacerlas encajar en el patrón rítmico deseado. Su sabiduría fue patente a lo largo de casi toda su carrera gracias a la tremenda resistencia y a su enorme influencia.

Musica Popular Portuguesa - 3

Ana Moura ( Santarém, 1979) es una cantante de fado portuguesa

Fausto, José Afonso, Ruy Mingas, la música angoleña y fado. Eso es lo que se cantaba por las noches la familia Moura, en Coruche, Ana Moura era más que una scull - nacida en otra localidad Ribatejo, Santarem, en 1979 - con un gusto por el canto. Los padres cantaban, cantaba  toda la familia y la razón maternal de cualquier reunión familiar terminaba en  una celebración en forma de música. 

A pesar de todo, cantar, Ana ya había comenzado a sentir que, por alguna razón, sentía un afecto especial por el fado. A los seis años ya cantaba su fado en primer lugar, "caballo recio", mientras oye a menudo a su madre tararear "El mantón de Mi Madre." Luego llegó la adolescencia y dejó la suerte dormida. Y despierta a otros tipos de música, más acordes con la edad y amistades.

Reconocida internacionalmente, Ana Moura inicia su recorrido discográfico con Guarda-me a Vida na Mão (2003), grabando después Aconteceu (2005). Además, canta en varios locales de la noche lisboeta. Se dio a conocer en televisión junto a António Pinto Basto, en Fados de Portugal. No hay otra voz como el fado de Ana Moura. Una voz que se pasea libremente por la tradición, mientras que elegantemente coquetear con la música pop, que se extiende de una manera muy personal de la huella de la canción de Lisboa.

Su disco siguiente es Para Além da Saudade (2007), con temas como Os Búzios o O Fado da Procura, con esta grabación Moura fue conocida por el gran público portugués, así como por sus participaciones en programas como Contacto y Família Superstar, y en Sexta à Noite, de José Carlos Malato, en RTP. Sus apariciones de televisión la ayudan a promover este disco, alcanzando el Disco de Platino, por ventas superiores a veinte mil unidades, permaneciendo varias semanas en el TOP 30 de Portugal. Con este disco recibió una nominación Globos de Oro de Portugal, en la categoría de Música, como Mejor Intérprete Individual.

Esa pasión por el Fado se manifiesta de tal manera que rápidamente va conquistando el mundo musical portugués entre ellos Miguel Esteves Cardoso (MEC). Incluso antes de oír hablar  los editores en su nombre, está va a servir a la noticia de talento de la joven cantante, después de escuchar y ver el acto en un programa de Pinto Basto Antonio en la  BBC, llamado fado de Portugal. Es incluso después de leer las palabras del MEC. No se demorará para ofrecerle la grabación del primer álbum.

Para la producción de su álbum debut, (2003), se llama a Jorge Fernando. Además de conducir la dirección artística del álbum, el músico también es responsable de seis de los 15 temas grabados, uno de ellos es asumido por el cantante como su obra  musical - ". I do Fado, Sou Fadista" La complicidad entre los dos no-para mantener los siguientes registros. Allí mismo, se hace evidente que el destino de Ana Moura contiene algunas apariciones raras llamando a la gente como los gitanos y Pedro d'joyas de oro, y los instrumentos con guitarra y cajón flamenco. Pero la esencia permanece intacta: la tradición se mantiene. La recepción, crítica y público, Keep me in Life Hand es una emoción que no deja lugar a dudas.Ana Moura  de inmediato comienza a ser una recurrente presencia en el escenario portugués y también poco a poco en los internacionales.

Con el tema "Buzios" de Jorge Fernando, el éxito de Más allá de la nostalgia que subir a niveles sin precedentes en la carrera de Ana Moura, finalmente disfrutar de dos grandes momentos de la consagración en Portugal a través de Lisboa Coliseo de acción y Oporto. El álbum trae a pesar de ello el Premio Amalia Rodriguez.  Tras el enorme éxito de Más allá de la nostalgia - durante 70 semanas en las listas bestseller, la redacción le lleva a editar Fado (2009) es recibido casi de inmediato con la obtención del premio de platino .Como anteriormente, es producido por Jorge Fernando e incluye escritos de  Tozé Brito, Manuela de Freitas, Rainho Mario y Nuno Miguel Guedes, así como una composición original de José Mário Branco. El álbum incluye una creación encargada de la inventiva de Amelia Muge. "No es normal Fado", con la participación de los Gaiteros de Lisboa y Vinca.

En septiembre de 2010, Ana Moura acepta la Radio de Frankfurt Bigband invitación para cantar en dos conciertos en la ciudad alemana, la asociación se repite, pero esta vez en sentido inverso, cuando el cantante de la orquesta de jazz pide que la acompañe en abril 2011, a su regreso a Lisboa y Oporto Coliseum. Para Ana Moura es un momento de celebración de un año marcado por la victoria de un Globo de Oro, por la presencia en las ventas tops de Billboard y el Amazonas y el nombramiento como Artista del Año . 

Participó en el festival  Back2Black  en Río de Janeiro, junto a Gilberto Gil, quien interpreta a la "Fado Tropical" de Chico Buarque.

En 2012, año en que participa en Ana Moura disco homenaje a Caetano Veloso con una versión de "Open Window  2", producido por José Mário Branco, el cantante mantiene un pequeño cambio en su lenguaje musical. En noviembre en Portugal lanza su 5. Album de originales "Desfado", que representa un punto de inflexión en su carrera, y presenta su último trabajo en casas llenas de Portugal. En 2013 "Desfado" se estrena en varios países. Ana Moura sigue de gira nacional e internacional inicia a través de Suiza, Alemania, Francia, España, EE.UU., Canadá, Inglaterra, Holanda, Bélgica, entre otros. Desde su rincón, sólo sabemos que élla nació en el fado. Nunca sabremos dónde termina.

Carlos Manuel Moutinho Paiva dos Santos Duarte, conocido artísticamente como Camané es un cantante de fados portugués nacido en Oeiras en 1967.En 1979 ganó la Grande Noite do Fado, lo que le posibilitó la grabación de un álbum producido por António Chainho. Tras una interrupción de 5 años regresó al mundo del fado, actuando en diversas casas de fado y participando en producciones de Filipe La Feria - "Grande Noite"; "Maldita Cocaína"; "Cabaret" - donde se descubre su valía como fadista.

A partir de 2004 participó en el grupo "Humanos" junto a Manuela Azevedo y David Fonseca, así como de los músicos Nuno Rafael, João Cardoso y Hélder Gonçalves, con los que grabó dos discos (Humanos y Humanos ao Vivo) y un DVD de los conciertos en los teatros de Lisboa y Oporto en junio de 2005, en los que Camané demuestra su versatilidad como intérprete.

En mayo de 2007, presenta el espectáculo Otras canciones II en el teatro São Luiz de Lisboa, el fadista lisboeta se transforma en crooner, chansonier, canzonetista, cantante de boleros (Vete de mí) y de bossa nova. Canta en inglés, francés, italiano, español y en portugués, y en Anos dourados y Olha María saca el dulce soutaque -acento- brasilero para rendir homenaje a Chico Buarque.

La elección del repertorio habla de su buen gusto y su coraje, en inglés hace todo el repertorio clásico de Broadway, clásicos de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim (Somewhere), Henri Mancini (Moon River), Ray Noble (The touch of your lips), Neil Hannon (Perfect lovesong), y se atreve con My funny Valentine de Richard Rodgers y Lorenz Hart, Kurt Weill (September song), los Beatles (For no one). En francés rescata a Jacques Brel (Ne me quitte pas) Charles Trenet (Que reste-t-il de nos amours), Charles Aznavour (Leí), Serge Gainsbourg (Black trombone) y el final con Que c'est triste Venise de Françoise Dorin y Eddie Barclay.

En 2007 participa en la película Fados del director español Carlos Saura que se estrena en noviembre en España, y se presenta ese mismo mes en concierto en el Teatro Albéniz de Madrid, en Valladolid y en Santiago de Compostela para celebrar el estreno de la película, junto a Mariza, Carlos do Carmo y Miguel Poveda. Después del lanzamiento de "Siempre me", comenzó Camané una gira por todo el país, a través de las salas míticas de Lisboa y Oporto Coliseum por primera vez en su propio nombre. También se hará hincapié en la participación en Womex 2008, en Sevilla, la mayor feria mundial de World Music.

En marzo de 2009 Camané recibió una nominación a la Mejor Intérprete en los Globos de Oro, y dos meses más tarde, se realizó en el Centro Cultural de Belém en dos noches con entradas agotadas. En "Carta Blanca a Camané", el cantante llevó a su lado y Mario Laginha Orquesta Metropolitana de Lisboa y jugó sus destinos cada vez con nuevos arreglos hechos por el Laginha Mário José Mário Branco y también por el maestro Cesario Costa.  Camané sigue actuando en directo su último trabajo, no sólo en Portugal, sino también en el extranjero - Argentina, Chile, Perú, Uruguay, Francia, Suiza, Bulgaria, Polonia y Hungría.

Sin embargo, el sexto álbum de Camané original - "El amor y el Tiempo" – se edita en septiembre de este año. Consta de 18 temas y los arreglos y la dirección musical, como viene siendo habitual, José Mário Branco, "Love and Time" debutó en el No. 1 en el Top de Ventas Nacionales, donde permaneció durante dos semanas consecutivas y ya 's Disco de Oro. La presentación de este disco tuvo lugar en el Centro Cultural de Belém ante un lleno total. En 2011 actua en la Academia de Música de Brooklyn en Nueva York. Una notable participación en la banda sonora de la película documental "José y Pilar" de Miguel Gonçalves Mendes . Con la carta de Manuela de Freitas y música de José Mário Branco, este tema ha integrado la lista de la preselección a los Oscar 2011.

En septiembre de 2012 Camané va a Il de Festival vuelve a participar en  Francia en el Homenaje a Cesaria Evora, acompañado por músicos de la cantante de Cabo Verde y cantando a dúo con Nancy Vieira, se puede decir que el homenaje a la gran diva con el tema "Sodade"  En octubre de 2012 Camané actúa por primera vez en Montreal, Teathre Maissonneuve, dejando a los quebequenses encantados  con la mística del fado y de nuevo con la crítica que le ofrece grandes elogios.. 

Grandes del Jazz 20

BRANFORD MARSALIS

Branford Marsalis (Breaux Bridge, Luisiana, 26 de agosto de 1960), es un saxofonista estadounidense de jazz y de música clásica.

Branford Marsalis nació el 26 de agosto de 1960 y es el menor de sus cinco hermanos, Wynton , Ellis Marsalis III, Delfeayo , Mboya Kinyatta, y  Jason. Wynton, Delfeayo y Jason también son músicos de jazz, y Ellis es poetisa, fotógrafa e ingeniera en Baltimore. Su hermano Mboya sufre de autismo. Sus padres son Delores Ferdinand Marsalis y la famosa pianista Ellis Marsalis, Jr..

Luego de sus estudios en Southern University, en Berkelee, Branford inició su carrera profesional al inicio de los años 80, tocando saxofón barítono en la Art Blakey's Big Band, de Clark Terry y saxofón alto en la  Blakey's Jazz Messengers. Desde 1982 a 1985, tocó saxofón tenor y soprano, con el grupo de su hermano Wynton, y con la banda de apoyo de Sting. Su fama vino marcada, inicialmente, por Wayne Shorter, y más tarde, pero más destacado, en la onda de John Coltrane. En 1985, participa en Live Aid, como único músico de Sting (más tarde acompañado de Phil Collins. En 1986, forma su propio grupo, con  Kenny Kirkland  (piano), Bob Hurst  (bajo), y  Jeff Watts  (batería).

Entre 1992 a 1995, fue director musical de la Tonight Show, de Jay Leno. Siguió el projecto Buckshot LeFonque, cuyo objetivo era la fusión del jazz, com R&B, hip hop y rock. Durante los años 90, Branford colabora, como invitado, como los  Grateful Dead. Participa también, al lado de Bruce Hornsby, en diversos álbumes en solo. Branford y Hornsby ganaron un Grammy, en 1993, como el mejor instrumento pop, y su composición Barcelona Mona, compuesta para los Juegos Olímpicos de Barcelona. Tocó, inclusive, con Miles Davis, en los últimos días de éste.

En 2002, fundó el sello discográfico independiente Marsalis Music que, entre otros, edita álbumes de Doug Wamble, Harry Connick, Jr. y Miguel Zenon. Creó, también, la banda Branford Marsalis Quartet. Maestro de Jazz, Premio Grammy renombrado saxofonista y ganar premios Tony. El nominado compositor Branford Marsalis es uno de los músicos más respetados de su tiempo. Tres veces ganador del Premio Grammy,  no ha dejado de ejercer y ampliar sus habilidades como instrumentista, compositor,  además de ser el jefe de Marsalis Music, el sello que fundó en 2002, que le ha permitido producir tanto sus propios proyectos y los de la mundo del jazz artistas nuevos y establecidos más prometedores.

 Marsalis hizo su debut en Broadway como compositor de la música original para el Premio Tony,  ganador de reposición en Broadway de August Wilson "Fences" . Marsalis recibió una nominación al premio Tony en la categoría de la categoría de "Mejor Banda Sonora Original (música y / o letras) Escrito para el teatro" y una concesión del escritorio del drama  2010 para "La música en una Obra" por su participación. Tras estos éxitos, Marsalis se le pidió que realizara el estreno en Broadway de 2011 "La cima de la montaña" a partir del libreto de Samuel Jackson y Angela Bassett.,

Líder de uno de los cuartetos de jazz más actual, y un solista frecuente con los grupos clásicos, Branford es cada vez más solicitado como solista con orquestas tales como la aclamada de Chicago, Detroit, Düsseldorf, Carolina del Norte y la Boston Pops, con un creciente repertorio que incluye composiciones de Copland, Debussy, Glazunov, Ibert, Mahler, Milhaud, Rorem y Williams Vaughn. Su propensión a la innovación y visión de futuro le obliga a buscar nuevas obras y desafiante por los modernos compositores clásicos como modernos compositor escocés Beamish Sally

Haciendo su primera aparición con la Orquesta Filarmónica de Nueva York en el verano de 2010, Marsalis fue invitado a unirse a ellos de nuevo como solista en su serie de conciertos 2010-2011, donde inequívocamente demostrado su versatilidad y destreza, con lo que "un porte gracioso y tono suave ... y una arrogancia despreocupada" (New York Times) en el repertorio.

 En 2011, el Fondo Nacional de las Artes otorga el Jazz prestigiosa beca de maestría sobre la familia Marsalis, una celebración y reconocimiento de una familia descrita por el New York Times como "dinastía jazz viva más ilustre", que han hecho un marca indeleble, colectiva e individualmente, sobre la historia y el futuro del jazz, forma de arte de Estados Unidos. La Branford Marsalis Quartet explora los límites de la aventura musical y la cohesión de la banda.

SCOTT HAMILTON

Scott Hamilton  (Providence, Rhode Island, 12 de septiembre de 1954) es un saxofonista estadounidense de  jazz, vinculado con la corriente denominada neo tradicionalismo.

Hamilton aprendió a tocar inicialmente el piano, aunque a los diecisiete años se decidió por el saxo tenor. Trasladado a Nueva York, en 1976, obtendrá sus primeros trabajos de la mano de Roy Eldridge, tocando con Hank Jones, la cantante Anita O'Day y la big band de Benny Goodman. En 1977, graba su primer álbum, que lo convierte en el primer cabecilla del neo tradicionalismo, y en los años siguientes, seguirá colaborando con músicos de swing. Después formará un trío estable, que le acompañará en grabaciones y giras, y colaborará con los "Newport All star" de George Wein.

Muchos autores señalan la paradoja de que Hamilton, que aprende a tocar el saxo en la época post-Coltrane, desarrolle un estilo propio, caluroso e inventivo, basado casi exclusivamente en las escuelas anteriores a Charlie Parker. Especialmente, está influido por saxofonistas de sonido recio, como Coleman Hawkins, Chu Berry o Ben Webster. Se trasladó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y por medio de Roy Eldridge, con quien había tenido un año antes en Boston .

En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en un quinteto, con Bunch añadido al grupo. El mismo año Carl Jefferson le oyó, y comenzó a grabar para él su sello discográfico Concord. Hace más de cuarenta álbumes más tarde, sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchas de ellas bajo su propia dirección, varios días con su cuarteto habitual británico de John Pearce, Green Dave y Steve Brown, incluyendo su última, Nocturnos y serenatas.

El Cuarteto, más dos invitados, Dave Cliff y Nightingale Marcos registró Our Delight! para el sello de Alan Barnes Woodville. Una nueva versión, Across the Tracks sobre el Concorde se debe este mes de mayo. En el camino ha grabado discos con Dave McKenna,  Tony Bennett, Gerry Mulligan, Maxine Sullivan, Tate Buddy,  algunos con Rosemary Clooney y también con otro de sus mentores, Ruby Braff , con el que jugó residencias en el Club de Jazz Pizza Express, Londres en la década de 1980.

Con los años Scott también ha tocado y grabado con bandas itinerantes como la Concord Jazz All Stars, la banda Concord Súper y el Festival George Wein Newport Jazz All Stars. Durante algunos años residió en Londres, donde se jugó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo. Cada año, además de dos o tres cocciertos con el cuarteto en el Club de Jazz Pizza Express, British fechas del club de jazz y festivales incluyendo el trabajo Brecon, donde es uno de los musicos que regularmente  realiza giras por  Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia.

Regresa a Estados Unidos tres o cuatro veces al año para actuar en festivales, como, el New York Festival de JVC en junio y en Irvine, California, en septiembre y en febrero de 2008 actuo durante tres noches en el Lincoln Center de Nueva York.

Su forma de tocar viene mejor descrito por el saxofonista tenor compañero y escritor, Dave Gelly: "Después de un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador en pleno desarrollo. Primero viene la voz, el sonido inimitable,la seguridad de su saxo tenor, el estilo informal y, finalmente, el asombrosa  su fluidez y elocuencia del lenguaje de  su  jazz. "Scott fue galardonado con el 'Ronnie' para Saxofonista Internacional de Jazz del Año en el 2007. No es de extrañar que Scott Hamilton esté en la demanda  de todo el mundo.

Divas de Jazz - 20

 Helen Merrill 

La cantante, Helen Merrill (New York, 1930), es una de las grandes voces blancas del jazz. Su estilo siempre ha estado exento de ornamentas y vibratos adicionales y su canto es un homenaje a la desnudez vocal. Con un registro pequeño en comparación con sus colegas, su especialidad es la balada. Nunca fue una cantante de bigband, ni cultivaba el arte del scat, pero en los tiempos lentos es toda una autentica especialista.

     De origen yugoeslavo, Jelena Ana Milcactic, verdadero nombre de Helen Merrill, consiguió con su primer álbum (Helen Merrill, Emarcy 1954) llegar a lo mas alto del jazz vocal. Con el mismo acompañamiento instrumental que había tenido días antes la gran Sarah Vaughan -con Clifford Brown, a la trompeta como principal solista - tuvo la virtud de grabar un disco original, intimista, inteligente y con una voz prodigiosa.Clifford Brown, estaba en el momento álgido de su carrera y eso lo agradece el disco. 

Su debut como profesional tuvo lugar con la orquesta de Reggie Childs con quien estuvo de vocalista entre 1946 y 1947. Después vino el disco de su debut con Clifford Brown ya citado y a continuación varios mas para el sello Emarcy -una casa discográfica, filial de la Mercury que se especializó en grabar a cantantes- algunos de ellos también excelentes como el grabado en 1956 titulado: "Dream of You" y que cuenta con la extraordinaria aportación en los arreglos del maestro Gil Evans, ya famoso por su participación fundamental en el NonetoCapitol, y que por vez primera se decidía a trabajar exhaustivamente con una cantante. 

Los cincuenta y los sesenta vieron como la cantante, que seguía teniendo una naturalidad apoteósica y una dicción matizada, dejó algunos discos salteados para varios sellos: Verve, Milestone o Landmark.    Su estancia en Europa y en Japón- donde vivió entre 1967 y 1972- contribuyó a su renacimiento artístico en el país nipón, y en Europa tuvo que esperar a que en 1984 publicara el disco "No Tears, No Godbyes"  junto al pianista, Gordon Beck y mas tarde el magnifico "Music Makers" con Steve Lacy y Grapelli en 1986 para que el publico francés la redescubriera.

Antes, en 1967, había grabado para Milestone una serie de discos con el extraordinario pianista, Dick Katz -su acompañante y director musical, antes de instalarse en Japón- que aportaron nuevos horizontes a su voz humeante. Dos discos dejaron testimonio de aquella feliz etapa: "The Feeling is Mutual" un disco admirable, y "A Shade of Difference" (1968) algo mas desigual pero con una magnifica versión de "Lonely Woman" la obra maestra que compuso Ornette Coleman.

     En 1987, treinta años después de la primera colaboración con Gil Evans, cantante y arreglista se juntan de nuevo para grabar "Collaboration"  una reedición con los mismos temas y arreglos de la primera ocasión. En 1989 llegó la esperada cita con Stan Getz, uno de sus músicos preferidos "Just Friends"  aunque ya su voz no era la misma y anunciaba la cercanía del retiro. Su obra postrera mas importante, es el álbum que ella misma se especie de tributo a su magnifica carrera como cantante de jazz.retrata.

Natalie Cole

El nueve veces ganadora del premio GRAMMY,  la cantante, compositora e intérprete Natalie Cole que ha demostrado ser uno de las artistas más queridas de todos los tiempos. Natalie lanzó su segundo disco-libro  "Love Brought Me Back" en noviembre de 2010 una crónica de su camino a un trasplante de riñón en 2009.Sin embargo, Natalie Cole saltó a la fama en 1975 con su álbum de debut," Inseparables",  "This Will Be (An Everlasting Love)" y dos Grammy  Awards como Mejor Artista Nueva, así como Mejor Artista Femenina R & amp; B Vocal Performance. 

Más éxitos siguieron, incluyendo 1976 "Sophisticated Lady (Ella es una señora diferente)," 1977 "He Got Love on My Mind", de 1978 "Nuestro Amor" y 1980 "Alguien que me encantaba." En 1987, publicado peligroso, del que se vendieron más de dos millones de copias en los EE.UU. y obtuvo su hit singles tres:. "Jump Start", "I Live For Your Love" y una nueva versión de Bruce Springsteen "Pink Cadillac"

En 1991 Natalie dio un salto audaz que cambiaría su vida y su carrera para siempre. Esta muy exitosa artista de R & B,  Natalie sorprendió  cuando grabó "Unforgettable" ... With Love, un álbum de los estándares de la American Songbook que incluía un dueto con su fallecido padre, Nat King Cole, en la pista del título. El álbum pasó cinco semanas  en las listas de éxitos, ganó seis premios Grammy ® (incluyendo la canción, grabación y Álbum del Año) y vendió más de 14 millones de copias en todo el mundo. Natalie  ganó un GRAMMY ® en 1993 a la Mejor Interpretación Vocal de Jazz andStardust en 1996,y luego  que le valió un Grammy ® a la Mejor Colaboración Pop con Vocales. 

A esto le siguió  el lanzamiento de las nevadas en el Sahara en 1999 y Ask a Woman Who Knows en 2002, que recibió Natalie el NAACP Image Award como Artista de Jazz excepcional. 2006 vio el lanzamiento de Leavin 'un álbum de covers de canciones populares que obtuvo Natalie una nominación al GRAMMY ® por Aretha Franklin "Daydreaming"

Como actriz, Natalie protagonizó con el director Delbert Mann "Lily in Winter" y luego  co-protagonizó junto a Laurence Fishburn y Cicely Tyson en Walter Mosley "Siempre Superados en número". Jugar a sí misma en "Livin 'For Love: The Story Natalie Cole", la película biográfica de su vida. Natalie ha hecho más de 300 presentaciones en televisión más importantes, desde dramas como "Law and Order" y "Touched by an Angel" a programas de entrevistas con Oprah Winfrey, Ellen DeGeneres, y Larry King. Último álbum de Natalie Still Unforgettable fue lanzado el 09 de septiembre 2008 obteniendo sus dos más premios GRAMMY ® al Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional y Mejor Vocalista acompañamiento instrumental. También ganó un Premio NAACP Natalie Mejor Artista de Jazz. 

Mientras grababa este álbum Natalie fue diagnosticada  con Hepatitis C durante un examen de rutina, probablemente como resultado de su uso de drogas hace muchas décadas. Natalie comenzó a someterse a un tratamiento de quimioterapia intensiva para la enfermedad, que los efectos secundarios de los pares con el calendario extenuante promoción en apoyo de Still Unforgettable, la llevó a ser trasladado a un hospital de Nueva York. 

 En mayo de 2009, Natalie sometió a una cirugía de trasplante de riñón en Los Angeles el resultado de un donante de órganos de personas fallecidas a través de la agencia regional de obtención de órganos, One Legacy. Como autor publicado Natalie lanzó su primer libro Ángel en mi hombro en noviembre de 2000 con gran éxito de crítica. 11 2010 vio el lanzamiento de las memorias de Natalie Cole "Love Brought Me Back", una historia de pérdida y recuperación, la tristeza y la alegría, el éxito y la desesperación y, por último, el éxito de nuevo.

 Esta es la historia de las hermanas, Natalie y Cooke, quien a lo largo enfermedad de Natalie era una de sus mayores seguidores y también de las hermanas que han hecho posible el trasplante, Patty y Jessica. Fue la muerte de Jessica, que dio nueva vida a Natalie, incluso como Natalie experimentado la pérdida devastadora de Cooke. Patty, también sufrió la terrible pérdida, sino cuando conoció a Natalie, se encontró con que el espíritu de su hermana todavía vivía. 

A través del don de la vida, Natalie y Patty se convirtieron en  hermanas en espíritu. Natalie Cole firmó como el portavoz de la Organización de Investigación Universidad de riñón.UKRO,que  es una organización con sede en Los Angeles sin fines de lucro apoyo a la investigación médica relacionada con la prevención, el tratamiento y la erradicación de todas las formas de enfermedad renal.

Natalie es también una  portavoz de sintonizar con hepatitis C, una campaña de sensibilización para dar a conocer esta enfermedad silenciosa y progresiva, y animar a la gente a hablar con sus médicos o profesionales de la salud acerca de sus opciones. Para obtener más información acerca de la campaña de sensibilización, por favor visite www.TuneInToHepC.com. Natalie tiene muchas fechas de sus conciertos emocionantes y está ansioso por comenzar la producción de su nuevo disco que será lanzado en la primavera de 2013.