Los grandes del Jazz 19

Michel Portal

Michel Portal es un clarinetista, saxofonista, bandoneonista y compositor francés, nacido en Bayona el 25 de noviembre de 1935.

Su formación musical fue totalmente clásica, especializandose en el clarinete, con repertorio de Mozart y Alban Berg, entre otros. Sin embargo siempre había mantenido una clara relación con la música folclórica del País Vasco francés y el jazz. Convertido en uno de los solistas preferidos de los compositores contemporáneos (Pierre Boulez, Stockhausen, etc), a partir de 1971, forma un grupo experimental y abierto, el Michel Portal Unit, con el que se adentra definitivamente en el campo de la improvisación y el jazz.

A lo largo de esa década, toca con Martial Solal, Daniel Humair, Jack DeJohnette o John Surman, sin dejar de mantener su propio Unit. En las décadas siguientes, y hasta hoy mismo, Portal actúa como free lance, organizando sus propias grabaciones y compartiendo escenario con músicos de todo tipo, siendo especialmente valorados sus trabajos con Richard Galliano y Albert Mangelsdorff. También ha compuesto música para un gran número de films.

Portal ocupa un lugar especial y peculiar dentro del panorama del jazz europeo. Su reconocimiento sin tacha por el mundo de la música clásica y por el del cine (posee tres "Premios Cesar"), le han permitido adoptar una posición selectiva y sin presión del mercado. Por ello, su música se desarrolla desde un concepto de la improvisación inquieta, la invención y la fantasía, sin reglas preconcebidas. El jazz no es para él más que un estilo entre otros: su objetivo es reinventar la música. 

Hablar de Michel Portal es hacer un recorrido por de uno de los buques insignias del panorama musical europeo. La obra de este gigante parece no tener límites: intérprete indispensable de compositores de música contemporánea, tales como Luciano Berio, Mauricio Kagel, Karlheinz Stockhausen o Vinko Globokar, con los que ha colaborado también en la composición de algunas de sus obras; ha firmado actuaciones como músico de cámara junto a Georges Pludermacher, Maria Joao Pires, Michel Dalberto o Mikhail Rudy.

Entre susu proyectos musicalesmerece citar el realizado  a dúo con la bailarina de ballet Carolyn Carlson; y en los créditos de su lista de grabaciones en clave de jazz aparece junto a nombres de la talla de John Surman, Anthony Braxton, Dave Liebman, Louis Sclavis, Daniel Humair, Paul Motian, Jack DeJohnette, Henri Texier, Charlie Haden o Martial Solal (con la lista de nombres podría terminar las 400 palabras de esta reseña); sin olvidarnos de los tres César del cine francés, otorgados como compositor de las bandas sonoras de  Le Retour de Martin Guerre (Daniel Vigne, 1981), Les Cavaliers de l’Orage (Gérard Vergez, 1983) y Champ d’Honneur (Jean-Pierre Denis, 1986). 

Tan extenso recorrido nos hace reflexionar del porqué de la acotada fama de Michel Portal en el jazz. Los discos que aparecen a su nombre, y que terminan clasificados en la sección de jazz de las tiendas especializadas, son sólo una pequeña porción del total de sus grabaciones. Y éstos son proyectos en los que Michel Portal no se limita a los cánones musicales establecidos. 

Dockings es la excepción que confirma la regla. Michel Portal parece dar tregua a los oyentes y, con una composición y ejecución de los temas impecable, el disco resulta relativamente fácil de asimilar.  Los temas van aconteciéndose uno tras otro, llenos de tantos detalles que resulta complejo destacar alguno de ellos. Quizás la percusión Joey Baron en “Barouf”, o tal vez la atmósfera norteafricana de “Lion’s Dream”. 

Quizás el repentino encuentro con el blues en “K.O.”, o la versión del original de Carla Bley “Ida Lupino” en la que Michel Portal se deshace entre notas de acordeón. Y de entre todos, el homenaje a Eric Dolphy por parte de uno de los pocos instrumentistas (junto a David Murray y Louis Sclavis) que ha conseguido ser digno sucesor del clarinete bajo. 

Hablar de Dockings es hablar de uno de los álbumes más comerciales de Michel Portal, siempre y cuando acuñemos el término comercial con el mismo molde metálico con el que ha quedado acuñado “Out To Lunch” en la historia del jazz.

Ignasi Terraza

Nacido en Barcelona el 14 de julio de 1962, Ignasi Terraza comenzó a interesarse por la música al poco tiempo de perder la vista en 1971, sintiéndose casi inmediatamente atraído por el Jazz: los estudios musicales, un puñado de discos aceptables y un piano familiar hicieron el resto.

 En 1980 tuvieron lugar sus primeras apariciones profesionales en público. Una vez graduado en Ingeniería Informática y después de alternar ambas profesiones durante tres años decidió dedicarse al Jazz por entero, incrementándose a partir de ese instante su presencia en el ámbito local.

Desde entonces, bien como miembro, bien como líder, Ignasi Terraza ha formado parte de numerosos grupos y formaciones que, es de señalar, siempre han tenido en el swing su rasgo más distintivo. Por otra parte, su conocimiento del idioma jazzístico, así como su sentido del ritmo y de la armonía, le han hecho cada vez más solicitado para acompañar y participar en actuaciones de numerosas figuras nacionales e internacionales,.





Entre las figuras  se incluyen vocalistas como Charmin Michelle, Randy Greer, Michelle McCain, Lavelle o Stacey Kent, o instrumentistas de la talla de Frank Wess, Jesse Davis, Gene “Migthy Flea” Conners, Ted Curson, Spike Robinson, Ralph Lalama o Brad Lealy. Asimismo, sus tríos regulares y ocasionales han contado con los bajistas Horacio Fumero, Mario Rosy, Pierre Boussaguet, Javier Colina y Jules Bikoko, entre otros, y bateristas como Walter Perkins, Bobby Durham, Gregory Hutchinson, Jorge Rossy, Jo Krause o Julian Vaughan.

  Dos asociaciones musicales particularmente significativas destacan en su trayectoria profesional. La primera, por dos períodos distintos (1985-1988 y 1996-2000), con el vibrafonista y baterista Oriol Bordas, junto al que toca en formaciones de trío y cuarteto –bajo los nombres de Ignasi Terraza Trío, Four Kats y Hot Swing- así como en  el  "Big Band" -Barcelona Jazz Orquestra-. Juntos, además, constituyen el sello discográfico SWINGFÒNIC –que llega a publicar hasta cinco álbumes- desaparecido en el 2000 tras la marcha de Oriol Bordas. 

Y la segunda, por tres años consecutivos (1990-1993), con el guitarrista norteamericano David Mitchell junto al que lidera el Mitchel-Terraza Quartet, grupo que además de publicar dos trabajos recibe en 1991 el "premio al mejor grupo revelación" en el Festival Internacional de Jazz de Getxo.

Aparte de actuar regularmente en su ciudad natal, durante los dos últimos años Ignasi Terraza ha realizado múltiples actuaciones, ya con su trío regular, ya en solitario, tanto en clubs como en festivales del resto de España, Francia, Portugal y Suiza, y recientemente ha grabado dos discos y ha empezado a impartir clases de piano jazz en la Escola Superior de Música de Catalunya.

Música Popular Brasileña 27

Beth Carvalho

Elizabeth Santos Leal de Carvalho, más conocida como Beth Carvalho, (n. 5 de mayo de 1946 en Río de Janeiro) es una cantante brasileña de samba, guitarrista y compositora, una de las más destacadas en su género. Su canción más conocida, Coisinha Do Pai, fue incluida en la nave Mars Pathfinder.

Beth Carvalho comenzó a cantar en radio a los siete años, pero su primer LP, Andança, recién fue grabado en 1968, alrededor de la canción del mismo nombre que le valiera el tercer lugar en el Festival Internacional da Canção de ese año, detrás Sabiá, de Tom Jobim y Chico Buarque, interpretado por Cynara y Cybele y del clásico Pra não dizer que não falei de flores (Caminando) de Geraldo Vandré.

Luego de pasar en 1971 la escola de samba Unidos de São Carlos (convertida después en Estácio de Sá) se incorporó a Mangueira, una de las más tradicionales escolas de samba del Brasil, identíficándose desde entonces profundamente con ella hasta ser su madrina.

Tuvo varios éxitos como Vou Festejar y la ya mencionada Coisinha Do Pai. Ha editado 24 álbums, ganado 16 discos de oro y 9 de platino.

En los 80 inició el movimiento de samba pagode usando instrumentos no tradicionales del samba y sin arreglos pop.

Beth Carvalho ha fundado varias escuelas para enseñar samba y compuesto canciones sobre temáticas sociales, orientadas a los reclamos de los pobres y los indígenas.

En el Carnaval de 2007 mantuvo un serio entredicho con Mangueira a causa de que no se le permitió desfilar en la carroza.

Maysa

Maysa Figueira Monjardim, más conocida como Maysa Matarazzo o simplemente Maysa (São Paulo o Río de Janeiro, 6 de junio de 1936 — Niterói, 22 de enero de 1977), fue una cantante, compositora y actriz brasilera. A lo largo de su carrera realizó una discografía con más de 25 álbumes, convirtiéndose en una de las artistas más destacadas de la música popular brasilera y en el puente histórico entre el samba-canción y la bossa nova.

Según algunas fuentes, Maysa Matarazzo habría nacido en la ciudad de São Paulo, en el seno de una familia tradicional del Espírito Santo que luego se mudó a Río de Janeiro. Otras fuentes afirman que su nacimiento se produjo en esta última ciudad. De un modo o del otro, en 1947 la familia se radicó en Bauru, en el interior del estado paulista, hasta que más adelante volverían a instalarse en la capital estatal.

Se casó a los 17 años con el empresario André Matarazzo, a su vez diecisiete años mayor que ella, amigo de sus padres y miembro de una acomodada familia ítalo-brasileira, de cuya unión nació su hijo Jayme Monjardim Matarazzo, quien de grande se hizo director de cine.

En 1957 decidió divorciarse debido a que su esposo se oponía a su carrera musical. Tuvo varias relaciones amorosas, entre ellas, con el compositor Ronaldo Bôscoli, el empresario español Miguel Azanza, el actor Carlos Alberto, el maestro Julio Medaglia, entre otros. Durante su relación con Miguel Azanza (1963-1969), se radicó en España. En la década de 1970 Maysa incursionó en el mundo de las telenovelas y del teatro, participando en producciones como O Cafona, Bel-Ami y el espectáculo Woyzeck de Georg Büchner.

Durante los años '60, Maysa mejoró constantemente la técnica vocal, registrando en discos de gran calidad el apogeo de su carrera. A partir de 1960 se adhirió al movimiento de la Bossa Nova, que entonces aparecía, y emprendió gran cantidad de giras por el mundo.

Realizó presentaciones en Japón, Buenos Aires, Montevideo, Lima, Caracas, Bogotá, Puerto Rico y México. También actuó en París, Lisboa, Madrid, Nueva York, Italia, Marruecos y Angola. En 1960 y 1961 realizó varias presentaciones en los Estados Unidos, donde grabó el legendario álbum Maysa sings songs before dawn (Columbia Records).

Entre sus grabaciones en otros idiomas se destaca La voz más expresiva del mundo (1960), precedida a su vez de un cover de You better go now de Billie Holiday y de Ne me quitte pas de Jacques Brel, tema que se convertiría en su canción más exitosa fuera del Brasil, y que Almodóvar incluiría luego en la película La ley del deseo (1986).

En 1963 realizó un histórico concierto en el Teatro Olympia de París y en 1966 participó en el II Festival de la Música Popular Brasilera organizado por el canal TV Record, y en el I Festival Internacional de la Canción. En este último alcanzó el tercer lugar en la fase nacional y el premio a la mejor intérprete brasilera del festival, con la canción Dia das Rosas de Luiz Bonfá y Maria Helena Toledo.

En 1968 grabó también en un simple la canción inédita Pálida ausencia, de Luis Eduardo Aute y cantó tres temas de Ennio Morricone incluidos en la banda sonora del film hispano-italiano Go-Go (Giuliano Montaldo, 1968), con Janet Leigh y Klaus Kinski.

Finalizado su matrimonio con el español Miguel Azanza, retornó al Brasil en 1969. En este año estrenó Maysa Especial con Ítalo Rossi en el canal TV Tupi de Río de Janeiro y realizó el espectáculo A Maysa de hoje (La Maysa de hoy), grabado también en disco, con un gran éxito de crítica y público, haciéndolo uno de los espectáculos más famosos de la historia de la música brasilera.

Sede de la Rede Globo en Río de Janeiro, donde Maysa interpretó el papel de Simone en la telenovela O Cafona, que marcó una época en la televisión brasilera.

En 1970 Maysa lanzó su álbum Ando só numa multidão de amores (Ando sola en una multitud de amores), considerado el mejor de su carrera, aunque no tuvo el éxito de ventas que se esperaba. Extremadamente decepcionada, Maysa se volcó a la actuación, apareciendo en 1971 en la telenovela O Cafona de la Rede Globo, interpretando el personaje de Simone, su alter-ego. Su personaje se hizo famoso, al igual que la novela que marcó una época para la televisión brasilera, y Maysa ganó por ese trabajo el premio a la mejor actriz de reparto (Coadyudante de Ouro). Ese mismo año integró el elenco de la telenovela Bel-Ami de la TV Tupi, interpretando el papel de Márica, pero, insatisfecha con su personaje y el rumbo de la trama, terminó abandonando la obra. Poco después puso en escena la obra teatral Woyzeck de Georg Büchner, que fue un enorme fracaso.

Las canciones y composiciones que integraron el repertorio de Maysa Matarazzo fueron escogidas a medida de su timbre de voz, marcada por la melancolía y la tristeza, al punto de tornarse emblemática del género fossa o samba-canción.

Simultáneamente con el surgimiento de Maysa, también se destacaron otras cantantes como Nora Ney, Ângela Maria y Dolores Duran. El género ha sido comparado con el bolero, por la exaltación del amor-romântico o por el sufrimiento de un amor no correspondido. El samba-canción, surgido en la década de 1930, antecedió al movimento de la bossa nova, surgido en 1958), con el cual Maysa también se identificó. La bossa nova significó un refinamento y una suavización de las melodías e interpretaciones, en detrimento del drama y de las melodias dramáticas del samba-canción. El legado de Maysa, se encuentra entre la bossa nova y el samba-canción.

El estilo Maysa influenció fuertemente a su generación, haciéndose notable en cantores y compositores, como Ângela Rô Rô, Leila Pinheiro, Fafá de Belém, Simone, Cazuza y Renato Russo

En 1977, falleció en un trágico accidente automovilístico en el Puente Rio-Niterói Maysa vivía desde 1972 sola en una casa ubicada en la playa de Maricá, donde pasaba los fines de semana. Su muerte se produjo precisamente cuando iba camino a su casa de la playa, a alta velocidad, el 22 de enero de 1977, a eso de las 5 de la tarde.

Los Grandes del Jazz - 18

Van Morrison

George Ivan Morrison, OBE (Belfast, Irlanda del Norte, agosto de 1945), más conocido como Van Morrison, es un cantante, compositor y músico norirlandés, con gran dominio de instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxofón y el piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de la música folk, blues, country y gospel que frecuentemente realiza en sus canciones, Morrison es ampliamente considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea. En ese aspecto, el crítico musical Greil Marcus llegó a decir que «ningún hombre blanco canta como Van Morrison».

Conocido como Van the Man por sus seguidores, Morrison comenzó su carrera como cantante del grupo Them. Unos años más tarde, Morrison abandonó el grupo para iniciar una carrera en solitario.

Con el paso de los años, Van Morrison ha conseguido un registro musical muy propio. Gran parte de su música está estructurada en torno a las convenciones del soul americano . Otra parte de su catálogo se compone de etapas musicales inspiradas en la tradición celta, en el jazz y en el monólogo interior, como ocurre en los álbumes Astral Weeks, Veedon Fleece y Common One. Ambas partes son denominadas conjuntamente como "Celtic Soul".

La carrera musical de Morrison, que abarca cinco décadas, ha influenciado a numerosos artistas musicales. Fue elegido para el Salón de la Fama del Rock en 1993 y para el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. En el año 2000, Morrison quedó clasificado en la vigesimoquinta posición de la lista de los cien mejores artistas de rock'n'roll, realizada por la cadena de televisión VH1, y en 2004, la revista musical Rolling Stone estableció a Van Morrison en el puesto 42 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

Morrison estuvo casado con Janet Minto (también conocida como Janet Planet), con quien tuvo una hija, la cantante y compositora Shana Morrison. Tiene otros dos hijos con su actual esposa Michelle Morrison.

Morrison abandonó su hogar a los diecisiete años para salir de gira por Europa con el grupo The Monarchs junto a su amigo George Jones, quien más tarde fundó la banda Clubsound. Tras su retorno a Belfast, The Monarchs se disolvieron. Morrison congenió con Geordie Sproule de nuevo y tocó con él en el Manhattan Shoeband junto al guitarrista Herbie Armstrong. Cuando Armstrong entró con Brian Rossi en el Golden Eagles, Morrison marchó con él y ambos fueron contratados. Por entonces, Van había adquirido porte como cantante de blues. 

Van Morrison se convirtió pronto en el líder del grupo, en buena medida al ser el único compositor de la agrupación. Durante la fecha, Them obtuvo éxitos comerciales con temas como "Gloria", a posteriori versionada por numerosos músicos como Patti Smith, The Doors, Shadows of Knight y Jimi Hendrix. La influencia de Van en Jimi fue observado por John Densmore en su libro Riders on the Storm, en el que comenta: "Jim Morrison aprendió rápido de su aparente temeridad, de su aire de amenaza moderada, del modo en que podía improvisar poesía a través del rock". Durante la última noche, Van y Jim y las dos bandas realizarían una jam del tema "Gloria".

Tras la muerte de Berns en 1967, Morrison se vio envuelto en una disputa con la viuda de Berns, quien le previno de que se abstuviera de tocar o grabar en el área de Nueva York. La canción "Big Time Operators", publicada en 1991, relata sus relaciones con la industria musical de Nueva York durante este periodo.  La compañía discográfica adquirió su contrato con Bang Records, y Morrison firmó con Warner Bros. la entrega de treinta y seis canciones en un año.

Su primer álbum con Warner Bros. Records fue Astral Weeks, previamente interpretado en varios clubes de Boston e integrado por un ciclo de canciones, considerado por muchos de sus seguidores como su mejor trabajo. Publicado en 1968, el álbum obtuvo buenas reseñas, aunque obtuvo una tibia recepción por parte del público. Hasta la fecha, Astral Weeks se mantiene inclasificado dentro de un género musical, y ha sido descrito como hipnótico, meditativo y con un poder musical único. En algunas reseñas fue comparado con el Impresionismo francés y con la poesía celta.

Morrison se trasladó por entonces a Woodstock, Nueva York, y publicó su segundo álbum, Moondance, en 1970. Moondance alcanzó el puesto 29 en las listas de Billboard. El estilo del nuevo álbum contrastaba con el de Astral Weeks: mientras Astral Weeks era un álbum vulnerable y con una temática triste, Moondance era mucho más optimista y alegre. A pesar de no ser publicado como sencillo hasta 1977, el tema que da título al álbum, "Moondance", fue emitido en numerosas cadenas de radio.  En 2003, Moondance fue situado en el puesto 65 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone.

Tras Moondance, Morrison publicó nuevos trabajos generalmente aclamados por la crítica, entre ellos His Band and the Street Choir en 1970, con un sonido más relajado con respecto a Moondance, aunque no perfecto según la opinión de la crítica musical.

Hacia 1972, y a pesar de llevar dando conciertos desde hacía diez años, Van comenzó a sufrir pánico escénico en recitales que superaban el millar de personas, en contraste con los primeros conciertos dedicados a un público reducido. 

Apenas un año después, Morrison se divorció de su mujer Janet Rigsbee, con quien había tenido una hija, la cantante y compositora Shana Morrison, que aparecería años después en diversas ocasiones junto a su padre en álbumes como A Night in San Francisco y Days Like This.

En noviembre de 1976, Morrison participó en el concierto de despedida de The Band, que tuvo lugar el Día de Acción de Gracias. Supuso su primera aparición en público desde unos meses, y Morrison consideró seriamente no participar en él hasta el último minuto, incluso rehuyendo salir a escena cuando le nombran.

Con su siguiente álbum, la nueva década encontró a Morrison siguiendo su propia musa en un territorio desconocido, marcando su primera gran exposición a comentarios sin piedad. En 1980, Morrison y un grupo de músicos viajaron a un estudio de los Alpes franceses localizado en una antigua abadía para grabar su álbum "más polémico y esotérico" desde Astral Weeks. El álbum, titulado Common One, quedó conformado finalmente por seis canciones de distinta duración cada una. "Summertime in England", la más larga del álbum, duraba quince minutos y finalizaba con el verso "¿puedes sentir el silencio?".

Beautiful Vision, publicado en 1982, significó un nuevo retorno a sus raíces culturales. El álbum fue bien recibido por la crítica y por el público, produciendo un sencillo, "Cleaning Windows", que documentaba uno de los primeros trabajos de Van tras abandonar la escuela. Otras canciones del álbum como "Vanlose Stairway", "She Gives Me Religion" y "Scandinavia", en las que Morrison toca el piano, muestran una nueva musa en su vida: una agente de relaciones públicas danesa, que compartió con Morrison sus intereses espirituales y sirvió como influencia durante los años 80. 

Gran parte de los proyectos de Van Morrison a lo largo de los años 80 fueron enfocados en una temática espiritual, mientras sus composiciones se trasladaban al territorio del New Age. En su álbum de 1983, Inarticulate Speech of the Heart, dedicó sus agradecimientos a L. Ron Hubbard, aunque nunca antes había estado asociado a la Cienciología o a otra iglesia.

En 1985, Van Morrison publicó A Sense of Wonder, que contenía el tema "Tore Down a la Rimbaud". Morrison declaró posteriormente que había estado leyendo a Rimbaud desde 1974, cuando sufría de falta de inspiración. Desde entonces, Morrison había llevado la canción consigo durante ocho años, momento en el que finalmente se vio capacitado para completarla. 

Su siguiente trabajo, No Guru, No Method, No Teacher, publicado en 1986, obtuvo reseñas entusiastas por parte de la crítica musical. Durante la grabación del álbum, el característico gruñido de Van Morrison se manifiesta en gran forma, e incluye unos arreglos acústicos que colindan con los de Astral Weeks. Aun así, no todos los críticos se mostraron entusiasmados con el creciente contenido religioso del álbum.

Tras la publicación de No Guru, No Method, No Teacher, la música de Van se mostró menos áspera y más contemporánea con el álbum de 1987 Poetic Champions Compose, considerado como uno de sus mayores logros musicales. 

A finales de 1990, Morrison publicó su segundo video, Van Morrison The Concert, grabado en Nueva York un año antes. El video incluía a dos artistas invitados, Mose Allison y John Lee Hooker, ambos interpretando sus propias canciones. El video muestra principalmente el trabajo de Morrison procedente de sus dos últimos álbumes.

Aunque el éxito comercial de Van Morrison continuó durante la nueva década, la recepción crítica comenzó a decaer de forma paulatina con la publicación de nuevos trabajos. A pesar de ello, en 1990, el álbum Enlightenment produjo un sencillo de éxito, "Real Real Gone", originariamente grabado diez años antes. Su doble álbum de 1991, Hymns to the Silence, supuso uno de sus trabajos más ambiciosos. Por otra parte, en 1993 Too Long in Exile y en 1995 Days Like This también obtuvieron cierto éxito comercial, radicado en una base de seguidores fieles, aunque la recepción crítica no siempre fue favorable.

El 14 de febrero de 1994, Van Morrison fue galardonado con el premio Brit por su "destacada contribución a la música británica". Van fue presentado con el premio por John McCarthy, que habló sobre la importancia de una canción de Morrison, "Wonderful Remark", definiéndola como "una canción que había escrito veinte años antes, muy importante para nosotros". En 1996, Van fue condecorado con la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II en el Palacio de Buckingham por su servicio a la música.

Van estrenó el nuevo siglo colaborando con Linda Gail Lewis, hermana de Jerry Lee Lewis, en el álbum You Win Again. Convertido en otro proyecto paralelo, esta vez enfocado hacia los tópicos del country y del R&B, el álbum sentó las bases para el que sería el siguiente trabajo conjunto entre Van y Linda, Choppin' Wood. A finales de 2000, cuando el nuevo álbum estaba prácticamente finalizado, Lewis y Morrison dejaron de colaborar juntos y retomaron sus respectivas carreras. Como resultado, Van regrabó y remezcló la mayoría de los temas, eliminando las contribuciones de Lewis durante el proceso. Unas pocas canciones fueron eliminadas del último listado de canciones, dando como resultado Down the Road.

En julio de 2001, Van recibió un doctorado honorífico en música de la Queen's University. Previamente, en 1992, había recibido un doctorado honorífico en literatura de la Universidad del Ulster, hasta entonces la única universidad en Irlanda del Norte.

A pesar de llevar pasados más de treinta años desde el inicio de su trayectoria musical, la influencia y la popularidad de Van Morrison continuó siendo patente en el nuevo milenio. Su álbum de 2005, Magic Time, debutó en la posición 25 de las listas de Billboard. La revista Rolling Stone situó al álbum en el puesto 17 de la lista de los 50 mejores álbumes de 2005. A finales de año, Morrison donó un tema inédito para Hurricane Relief: Come Together Now, que recaudó fondos para las víctimas de los huracanes Katrina y Rita. El tema, "Blue & Green", fue compuesto por Morrison e incluía a Foggy Lyttle en la guitarra. En 2007 fue publicada en el álbum The Best of Van Morrison Volume 3 y como single en el Reino Unido.

El 7 de marzo de 2006, Van publicó Pay the Devil, un álbum orientado hacia la música country. El día de su publicación fue declarado "Día de Van Morrison" por el alcalde de Nashville, y un concierto ofrecido en el histórico Ryman Auditorium logró vender todas las entradas en doce minutos. Pay the Devil debutó en el puesto 26 de las listas de Billboard y alcanzó el puesto 7 en la lista estadounidense de álbumes country.

Van Morrison fue premiado en la segunda edición de los Premios de la Pre-Academia en Los Ángeles, California, el 22 de febrero de 2007, por su contribución a cerca de cincuenta películas. Van fue presentado en la ceremonia por Al Pacino, quien comparó a Morrison con Oscar Wilde, diciendo que ambos eran "visionarios que rompían fronteras". Una semana antes, se publicaba el recopilatorio Van Morrison at the Movies - Soundtrack Hits, coincidiendo con el evento. Dos meses después, Van apareció en el New Orleans Jazz & Heritage Festival junto a Dr. John. El 8 de mayo de 2007, fue nombrado el mejor cantante masculino internacional de 2007 en el renombrado Ronnie Scott's Jazz Club de Londres.

En general, Morrison ha apoyado a numerosos artistas y ha compartido en ocasiones el escenario con ellos. En el álbum en directo A Night in San Francisco tuvo como invitados especiales a sus ídolos de infancia Jimmy Witherspoon, John Lee Hooker y Junior Wells. Aunque en ocasiones haya expresado su disgusto, tanto en entrevistas como en canciones, con la industria musical y con los medios de comunicación en general, ha servido de instrumento de promoción en las carreras musicales de otros músicos y cantantes como Brian Kennedy y James Hunter. 

Georges Benson

George Benson (Pittsburgh, 22 de marzo de 1943) es un guitarrista estadounidense de jazz; ha hecho también algunas exitosas aportaciones al jazz vocal (su voz es grave y su canto similar en su manierismo al de artistas como Stevie Wonder y Donny Hathaway). Se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido además encendidos elogios por parte de la crítica.

Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It should have been me" a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gran dominio de la velocidad de ejecución y del swing.

Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro caras para el sello X de RCA en 1954; formó también una banda de rock a los 17 en la que ya tocaba la guitarra. Su audición de las grabaciones de Christian, Montgomery y Charlie Parker le llevaron a interesarse en el jazz y, hacia 1962, empezó a tocar en la banda de Brother Jack McDuff. 

Tras formar su grupo en 1965, Benson grabó dos discos de soul jazz y hard bop para Columbia y colaboró en otros discos con artistas como Miles Davis, en Miles in the Sky. Firmó con Verve en 1967 y, tras la muerte de Montgomery, el productor Creed Taylor le hizo grabar con grandes conjuntos en A&M (1968-1969) y CTI (1971-1976).

Estos discos le convirtieron en una estella dentro del mundo del jazz, popularmente empezó a adquirir resonancia tras prodigarse más en lo vocal tras firmar con Warner Bros. en 1976. Su primer disco para esta compañía, Breezin', se convirtió en un éxito gracias a su solo vocal en la canción "This Masquerade" lo que le llevó a frecuentar la fusión con el pop, cuya culminación fue el disco producido por Quincy Jones, Give Me the Night (1980). Durante los ochenta frecuentó material comercial dejando su guitarra únicamente como acompañamiento. A finales de los ochenta, volvió a terrenos jazzísticos grabando un disco de estándares, Tenderly, y otro con la banda de Basie, en los que su guitarra volvió a tener protagonismo. Su oscilación entre el jazz y el pop ha sido frecuente desde entonces....