DONDE CONFLUYE LA MUSICA

Los Grandes del Jazz - 17

2012-01-28T09:56:00.000-08:00

Van Morrison

George Ivan Morrison, OBE (Belfast, Irlanda del Norte, agosto de 1945), más conocido como Van Morrison, es un cantante, compositor y músico norirlandés, con gran dominio de instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxofón y el piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de la música folk, blues, country y gospel que frecuentemente realiza en sus canciones, Morrison es ampliamente considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea. En ese aspecto, el crítico musical Greil Marcus llegó a decir que «ningún hombre blanco canta como Van Morrison».

Conocido como Van the Man por sus seguidores, Morrison comenzó su carrera como cantante del grupo Them. Unos años más tarde, Morrison abandonó el grupo para iniciar una carrera en solitario.

Con el paso de los años, Van Morrison ha conseguido un registro musical muy propio. Gran parte de su música está estructurada en torno a las convenciones del soul americano y del R&B, visibles en los temas "Brown Eyed Girl", "Moondance", "Into the Mystic", "Domino" y "Wild Night". Otra parte de su catálogo se compone de etapas musicales inspiradas en la tradición celta, en el jazz y en el monólogo interior, como ocurre en los álbumes Astral Weeks, Veedon Fleece y Common One. Ambas partes son denominadas conjuntamente como "Celtic Soul".

La carrera musical de Morrison, que abarca cinco décadas, ha influenciado a numerosos artistas musicales. Fue elegido para el Salón de la Fama del Rock en 1993 y para el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. En el año 2000, Morrison quedó clasificado en la vigesimoquinta posición de la lista de los cien mejores artistas de rock'n'roll, realizada por la cadena de televisión VH1, y en 2004, la revista musical Rolling Stone estableció a Van Morrison en el puesto 42 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

Morrison estuvo casado con Janet Minto (también conocida como Janet Planet), con quien tuvo una hija, la cantante y compositora Shana Morrison. Tiene otros dos hijos con su actual esposa Michelle Morrison.

Morrison abandonó su hogar a los diecisiete años para salir de gira por Europa con el grupo The Monarchs junto a su amigo George Jones, quien más tarde fundó la banda Clubsound. Tras su retorno a Belfast, The Monarchs se disolvieron. Morrison congenió con Geordie Sproule de nuevo y tocó con él en el Manhattan Shoeband junto al guitarrista Herbie Armstrong. Cuando Armstrong entró con Brian Rossi en el Golden Eagles, Morrison marchó con él y ambos fueron contratados. Por entonces, Van había adquirido porte como cantante de blues. Aun así, la banda no requería de un saxofonista, por lo que pronto se marchó para formar un club de R&B en el Maritime Hotel. Necesitado de un grupo en el que tocar, Van Morrison se integró como miembro de The Gamblers. Tras la noche inaugural del Maritime en abril de 1964, el grupo modificó su nombre por el de Them.

Van Morrison se convirtió pronto en el líder del grupo, en buena medida al ser el único compositor de la agrupación. Durante la fecha, Them obtuvo éxitos comerciales con temas como "Gloria", a posteriori versionada por numerosos músicos como Patti Smith, The Doors, Shadows of Knight y Jimi Hendrix. En junio de 1966, mientras Them encabezaba un cartel de tres semanas en el local Whisky-a-Go-Go de Los Ángeles, Jim Morrison y The Doors se encargaron de la apertura de los conciertos durante la última semana. La influencia de Van en Jim fue observado por John Densmore en su libro Riders on the Storm, en el que comenta: "Jim Morrison aprendió rápido de su aparente temeridad, de su aire de amenaza moderada, del modo en que podía improvisar poesía a través del rock". Durante la última noche, Van y Jim y las dos bandas realizarían una jam del tema "Gloria".

Tras la muerte de Berns en 1967, Morrison se vio envuelto en una disputa con la viuda de Berns, quien le previno de que se abstuviera de tocar o grabar en el área de Nueva York. La canción "Big Time Operators", publicada en 1991, relata sus relaciones con la industria musical de Nueva York durante este periodo. Poco después, Van se trasladó a Boston, Massachusetts, viéndose confinado por problemas personales y financieros. Aun así, con los pocos conciertos que pudo ofrecer, recuperó su carrera profesional y comenzó una nueva etapa bajo el sello Warner Bros. Records. La compañía discográfica adquirió su contrato con Bang Records, y Morrison firmó con Warner Bros. la entrega de treinta y seis canciones en un año.

Su primer álbum con Warner Bros. Records fue Astral Weeks, previamente interpretado en varios clubes de Boston e integrado por un ciclo de canciones, considerado por muchos de sus seguidores como su mejor trabajo. Publicado en 1968, el álbum obtuvo buenas reseñas, aunque obtuvo una tibia recepción por parte del público. Hasta la fecha, Astral Weeks se mantiene inclasificado dentro de un género musical, y ha sido descrito como hipnótico, meditativo y con un poder musical único. En algunas reseñas fue comparado con el Impresionismo francés y con la poesía celta.

1970-1980: El sueño americano

Morrison se trasladó por entonces a Woodstock, Nueva York, y publicó su segundo álbum, Moondance, en 1970. Moondance alcanzó el puesto 29 en las listas de Billboard. El estilo del nuevo álbum contrastaba con el de Astral Weeks: mientras Astral Weeks era un álbum vulnerable y con una temática triste, Moondance era mucho más optimista y alegre. A pesar de no ser publicado como sencillo hasta 1977, el tema que da título al álbum, "Moondance", fue emitido en numerosas cadenas de radio. El single "Come Running" alcanzó el Top 40 en los Estados Unidos. Además, el álbum fue bien recibido por la crítica musical. Lester Bang y Greil Marcus redactaron una crítica a página completa en la revista musical Rolling Stone en la que decían que Morrison tenía "la sorprendente imaginación de una conciencia visionaria en el más estricto sentido de la palabra". En 2003, Moondance fue situado en el puesto 65 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone.

Tras Moondance, Morrison publicó nuevos trabajos generalmente aclamados por la crítica, entre ellos His Band and the Street Choir en 1970, con un sonido más relajado con respecto a Moondance, aunque no perfecto según la opinión de la crítica musical.

Hacia 1972, y a pesar de llevar dando conciertos desde hacía diez años, Van comenzó a sufrir pánico escénico en recitales que superaban el millar de personas, en contraste con los primeros conciertos dedicados a un público reducido. Van comenzó a sufrir ansiedad y tuvo dificultades para establecer contacto visual con la audiencia. En una entrevista posterior, Van reconoció: "Me gusta cantar las canciones, pero hay veces que es agonizante estar ahí fuera". Tras un breve receso, Van comenzó a tocar en clubes, recuperando su capacidad de actuar en directo, aunque con menor audiencia. Posteriormente, formó el grupo de apoyo The Caledonia Soul Orchestra y se aventuró en una gira de tres meses por Estados Unidos con ellos. La gira fue grabada para la posterioridad en un álbum doble en directo, It's Too Late to Stop Now, considerado como uno de los mejores álbumes en vivo de la historia del rock. Poco después de grabar el álbum, Morrison reestructuró la Caledonia Soul Orchestra y formó la Caledonia Soul Express.

Apenas un año después, Morrison se divorció de su mujer Janet Rigsbee, con quien había tenido una hija, la cantante y compositora Shana Morrison, que aparecería años después en diversas ocasiones junto a su padre en álbumes como A Night in San Francisco y Days Like This. Por otra parte, Van obtuvo reseñas mayoritariamente negativas de su álbum de 1973 Hard Nose the Highway.^[39] Aun así, y en contraste con la mayoría, la reseña incluida en la revista musical Rolling Stone concluía: "Hard Nose the Highway es psicológicamente complejo, musicalmente algo desigual y líricamente excelente".^[40]

En noviembre de 1976, Morrison participó en el concierto de despedida de The Band, que tuvo lugar el Día de Acción de Gracias. Supuso su primera aparición en público desde unos meses, y Morrison consideró seriamente no participar en él hasta el último minuto, incluso rehuyendo salir a escena cuando le nombran. Al respecto, su representante, Harvey Goldsmith, reconoció que "literalmente le empujaron afuera".^[43] Morrison y los miembros de The Band habían establecido años antes una fuerte amistad gracias a su cercanía como vecinos en Woodstock y a las experiencias sobre el pánico escénico. (Al respecto, The Band habían bautizado su tercer trabajo de estudio como Stage Fright en referencia al síndrome.) En el concierto, Van interpretó dos canciones: "Caravan", definida por Allmusic como una "interpretación excitante", y "Tura Lura Lural (That's an Irish Lullaby)". El concierto fue filmado y posteriormente publicado en el documental de Martin Scorsese El último vals, considerado generalmente como un hito en la historia del cine.^[44]

En 1977, Morrison publicó finalmente A Period of Transition en colaboración con Dr. John, quien también apareció en el filme El último vals. El álbum obtuvo una recepción crítica leve y dio origen a una etapa prolífica en la carrera de Morrison. Al año siguiente, Morrison publicó Wavelength, que se convirtió en el álbum con mayores ventas de su carrera, siendo certificado como disco de oro en pocas semanas. El tema que dio título al álbum, "Wavelength", se convirtió en un éxito modesto y alcanzó el puesto 42. Por su parte, el primer tema, "Kingdom Hall", que relata la infancia y la experiencia del propio Van en torno a los Testigos de Jehová, sirvió de precursor a una nueva etapa más religiosa y filosófica en la carrera de Morrison que dio comienzo con Into the Music:

Publicado en 1979, Into the Music fue aclamado como una obra maestra y definida por Dave Marsh como "un ciclo erótico-religioso de canciones que culminan en la mejor cara que Morrison ha creado desde Astral Weeks". En general, las canciones del álbum aluden a la energía curativa de la música, que se había convertido en un tema de interés para Morrison y que dominaría su música desde entonces.

1980-1990: Regreso a Europa

Con su siguiente álbum, la nueva década encontró a Morrison siguiendo su propia musa en un territorio desconocido, marcando su primera gran exposición a comentarios sin piedad. En 1980, Morrison y un grupo de músicos viajaron a un estudio de los Alpes franceses localizado en una antigua abadía para grabar su álbum "más polémico y esotérico" desde Astral Weeks.^[46] El álbum, titulado Common One, quedó conformado finalmente por seis canciones de distinta duración cada una. "Summertime in England", la más larga del álbum, duraba quince minutos y finalizaba con el verso "¿puedes sentir el silencio?". Greil Marcus, que se había posicionado a favor de Van Morrison en anteriores ocasiones, dijo de Common One: "Es Van actuando como parte del "poeta místico" que cree ser".^[47] Morrison recalcó en entrevistas posteriores que el álbum no estaba destinado a ser un éxito comercial.

Beautiful Vision, publicado en 1982, significó un nuevo retorno a sus raíces culturales. El álbum fue bien recibido por la crítica y por el público, produciendo un sencillo, "Cleaning Windows", que documentaba uno de los primeros trabajos de Van tras abandonar la escuela. Otras canciones del álbum como "Vanlose Stairway", "She Gives Me Religion" y "Scandinavia", en las que Morrison toca el piano, muestran una nueva musa en su vida: una agente de relaciones públicas danesa, que compartió con Morrison sus intereses espirituales y sirvió como influencia durante los años 80.^[ Ente 1973 y 1974, Morrison, según sus amigos, había dejado de ingerir alcohol, y en su lugar habituaba a beber café. Sin embargo, Van volvería a sufrir problemas de alcoholismo durante la década tras la repentina muerte de su padre.

Gran parte de los proyectos de Van Morrison a lo largo de los años 80 fueron enfocados en una temática espiritual, mientras sus composiciones se trasladaban al territorio del New Age. En su álbum de 1983, Inarticulate Speech of the Heart, dedicó sus agradecimientos a L. Ron Hubbard, aunque nunca antes había estado asociado a la Cienciología o a otra iglesia.

En 1985, Van Morrison publicó A Sense of Wonder, que contenía el tema "Tore Down a la Rimbaud". Morrison declaró posteriormente que había estado leyendo a Rimbaud desde 1974, cuando sufría de falta de inspiración. Desde entonces, Morrison había llevado la canción consigo durante ocho años, momento en el que finalmente se vio capacitado para completarla. El mismo año, Morrison también escribió la partitura para la película Lamb, protagonizada por Liam Neeson.

Su siguiente trabajo, No Guru, No Method, No Teacher, publicado en 1986, obtuvo reseñas entusiastas por parte de la crítica musical. Durante la grabación del álbum, el característico gruñido de Van Morrison se manifiesta en gran forma, e incluye unos arreglos acústicos que colindan con los de Astral Weeks. Aun así, no todos los críticos se mostraron entusiasmados con el creciente contenido religioso del álbum.

Tras la publicación de No Guru, No Method, No Teacher, la música de Van se mostró menos áspera y más contemporánea con el álbum de 1987 Poetic Champions Compose, considerado como uno de sus mayores logros musicales. La balada "Someone Like You", publicada en el álbum, fue incluida en numerosas bandas sonoras de distintas películas, entre las que se incluyen French Kiss y El diario de Bridget Jones.

1990-2000: Reconocimiento musical y colaboraciones

Van Morrison capitalizó el éxito de Avalon Sunset con la publicación de The Best of Van Morrison en 1990. A diferencia de otro álbum titulado del mismo modo en 1967, The Best of Van Morrison constituye el primer álbum recopilatorio de la trayectoria de Van Morrison. Compilado por el propio Van y enfocado en sus sencillos de éxito, el álbum fue certificado como disco de platino y pasó más de año y medio en las listas de éxitos británicas.

A finales de 1990, Morrison publicó su segundo video, Van Morrison The Concert, grabado en Nueva York un año antes. El video incluía a dos artistas invitados, Mose Allison y John Lee Hooker, ambos interpretando sus propias canciones. El video muestra principalmente el trabajo de Morrison procedente de sus dos últimos álbumes. El mismo año, Morrison se unió junto a otros artistas en el concierto masivo de Roger Waters en Berlín, cantando "Comfortably Numb" junto a Waters y a sus compañeros de The Band Levon Helm, Garth Hudson y Rick Danko. La versión de "Comfortably Numb" fue incluida en la banda sonora de la película de Martin Scorsese The Departed y en el álbum recopilatorio de 2007 Van Morrison at the Movies - Soundtrack Hits.

Un año después, el canal de televisión BBC2 grabó un documental titulado One Irish Rover para la serie Arena, que fue emitido en marzo del mismo año. La película abría con Van Morrison y Bob Dylan cantando a dúo en la Colina de Filopapo de Atenas, Grecia, los temas "Crazy Love", "Foreign Window" y "One Irish Rover". Otro documental televisivo emitido días después en el Channel 4 mostraba a Morrison rodeado de los poetas irlandeses Michael Longley, Seamus Deane y John Montague discutiendo la relación entre la poesía, la música y el misticismo.

En enero de 1993, Van Morrison fue inducido en el Salón de la Fama del Rock y se convirtió en el primer artista en no atender a su propia ceremonia de inducción.^[66] En su nombre, Robbie Robertson, ex-componente de The Band, aceptó el galardón.^[67] Durante la ceremonia, el grupo Counting Crows interpretó la canción "Caravan".

Aunque el éxito comercial de Van Morrison continuó durante la nueva década, la recepción crítica comenzó a decaer de forma paulatina con la publicación de nuevos trabajos. A pesar de ello, en 1990, el álbum Enlightenment produjo un sencillo de éxito, "Real Real Gone", originariamente grabado diez años antes. Su doble álbum de 1991, Hymns to the Silence, supuso uno de sus trabajos más ambiciosos. Por otra parte, en 1993 Too Long in Exile y en 1995 Days Like This también obtuvieron cierto éxito comercial, radicado en una base de seguidores fieles, aunque la recepción crítica no siempre fue favorable.

El 14 de febrero de 1994, Van Morrison fue galardonado con el premio Brit por su "destacada contribución a la música británica".^[71] Van fue presentado con el premio por John McCarthy, que habló sobre la importancia de una canción de Morrison, "Wonderful Remark", definiéndola como "una canción que había escrito veinte años antes, muy importante para nosotros". En 1996, Van fue condecorado con la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II en el Palacio de Buckingham por su servicio a la música.

La segunda parte de la década marcó un nuevo rumbo en la música de Van Morrison, inmiscuyéndose en proyectos paralelos con otros artistas, incluyendo el álbum de jazz de 1996 How Long Has This Been Going On, el álbum de 1997 Tell Me Something: The Songs of Mose Allison, y el trabajo de 2000 The Skiffle Sessions - Live In Belfast 1998, en los que Morrison rindió homenaje a sus mayores influencias musicales.

Van Morrison continuó grabando y ofreciendo conciertos entrado el nuevo milenio, interpretando dos o tres veces por semana. Durante una entrevista concedida a Paul Sexton en 2006, Van dijo: "Realmente yo no salgo de gira. Esa es otra idea errónea. Dejé de salir de gira en el buen sentido de la palabra a finales de los 70, a comienzos de los 80, posiblemente. Ahora sólo hago conciertos. Dos conciertos por semana. Sólo en América hago más, porque no puedes realmente hacer un par de conciertos ahí, por lo que hago más, diez o algo así".^[73] De forma contraria a los días en que se sintió a merced de la industria musical, Van formó su propio sello discográfico, Exile Productions Ltd., que sostiene el pleno control de sus trabajos musicales.

Van estrenó el nuevo siglo colaborando con Linda Gail Lewis, hermana de Jerry Lee Lewis, en el álbum You Win Again. Convertido en otro proyecto paralelo, esta vez enfocado hacia los tópicos del country y del R&B, el álbum sentó las bases para el que sería el siguiente trabajo conjunto entre Van y Linda, Choppin' Wood. A finales de 2000, cuando el nuevo álbum estaba prácticamente finalizado, Lewis y Morrison dejaron de colaborar juntos y retomaron sus respectivas carreras.^[75] Como resultado, Van regrabó y remezcló la mayoría de los temas, eliminando las contribuciones de Lewis durante el proceso. Unas pocas canciones fueron eliminadas del último listado de canciones, dando como resultado Down the Road.

En julio de 2001, Van recibió un doctorado honorífico en música de la Queen's University. Previamente, en 1992, había recibido un doctorado honorífico en literatura de la Universidad del Ulster, hasta entonces la única universidad en Irlanda del Norte.

"En reconocimiento a su posición única como uno de los compositores más importantes del último siglo", Van Morrison fue inducido en el Salón de la Fama de los Compositores en una ceremonia celebrada en Nueva York en 2003. El premio fue presentado por Ray Charles y a continuación, tanto Ray como Van interpretaron la canción "Crazy Love". La admiración de Van por Ray Charles se hizo patente durante la entrega del premio, escribiendo un año después en la revista musical Rolling Stone acerca de la influencia de Ray en su música y en él personalmente.^[76] Ese mismo año, Van publicó What's Wrong With This Picture? en el sello discográfico Blue Note Records. El álbum fue galardonado con una nominación a los Premios Grammy en la categoría de mejor álbum de blues contemporáneo.

A pesar de llevar pasados más de treinta años desde el inicio de su trayectoria musical, la influencia y la popularidad de Van Morrison continuó siendo patente en el nuevo milenio. Su álbum de 2005, Magic Time, debutó en la posición 25 de las listas de Billboard. La revista Rolling Stone situó al álbum en el puesto 17 de la lista de los 50 mejores álbumes de 2005.^[77] A finales de año, Morrison donó un tema inédito para Hurricane Relief: Come Together Now, que recaudó fondos para las víctimas de los huracanes Katrina y Rita. El tema, "Blue & Green", fue compuesto por Morrison e incluía a Foggy Lyttle en la guitarra. En 2007 fue publicada en el álbum The Best of Van Morrison Volume 3 y como single en el Reino Unido.

El 7 de marzo de 2006, Van publicó Pay the Devil, un álbum orientado hacia la música country. El día de su publicación fue declarado "Día de Van Morrison" por el alcalde de Nashville, y un concierto ofrecido en el histórico Ryman Auditorium logró vender todas las entradas en doce minutos.^[78] Pay the Devil debutó en el puesto 26 de las listas de Billboard y alcanzó el puesto 7 en la lista estadounidense de álbumes country.

El 15 de septiembre de 2006, Morrison encabezó la primera noche en el Austin City Limits Music Festival. La revista musical Rolling Stone situó el concierto como una de las mejores interpretaciones del festival.^[79] Dos meses después, una versión limitada de Live at Austin City Limits Festival fue publicada exclusivamente en la tienda de la página web oficial de Van Morrison. En octubre del mismo año, Live At Montreux 1980/1974 se convirtió en el primer DVD de la carrera de Van Morrison.

Van Morrison fue premiado en la segunda edición de los Premios de la Pre-Academia en Los Ángeles, California, el 22 de febrero de 2007, por su contribución a cerca de cincuenta películas. Van fue presentado en la ceremonia por Al Pacino, quien comparó a Morrison con Oscar Wilde, diciendo que ambos eran "visionarios que rompían fronteras". Una semana antes, se publicaba el recopilatorio Van Morrison at the Movies - Soundtrack Hits, coincidiendo con el evento. Dos meses después, Van apareció en el New Orleans Jazz & Heritage Festival junto a Dr. John. El 8 de mayo de 2007, fue nombrado el mejor cantante masculino internacional de 2007 en el renombrado Ronnie Scott's Jazz Club de Londres. A mediados de 2006, fue publicado The Best of Van Morrison Volume 3 con treinta y un temas seleccionados por el propio Van Morrison, algunos de ellos previamente inéditos. Además, el 3 de septiembre, el catálogo musical de Morison desde 1971 hasta 2002 se publicó por primera vez en la tienda de iTunes, al ritmo de cuatro álbumes por semana. También en 2007 fue publicado un tercer álbum recopilatorio, Still on Top - The Greatest Hits, que alcanzó la segunda posición en las listas de éxitos británicas.

Dos meses después, Van publicó su trigésimo tercer álbum de estudio, Keep It Simple. Para su promoción, Morrison dio inicio a una pequeña gira que comenzó en Austin, Texas, el 11 de marzo, y volvió a tocar en el Ryman Auditorium de Nashville, Tennessee, el 13 de marzo. La primera semana tras su publicación, Keep It Simple debutó en el puesto 10, su posición más alta jamás conseguida en Estados Unidos.

Influencia

La influencia de Van Morrison puede percibirse fácilmente en la música de una amplia gama de artistas, entre los que figuran U2 (en buena medida, con el álbum The Unforgettable Fire), Bruce Springsteen (con "Spirit in the Night", "4th of July (Sandy)" o "Backstreets"), John Mellencamp ("A Little Night Dancin'", versión del tema de Van "Wild Night"), Jim Morrison, Joan Armatrading, Rickie Lee Jones, Rod Stewart, Tom Petty, Patti Smith, Elvis Costello (quien posteriormente salió de gira con Morrison), Graham Parker, Daryl Hall, Thin Lizzy, Bob Seger, Dexys Midnight Runners, Jimi Hendrix, Jeff Buckley, y otros muchos más, incluyendo a Counting Crows.

Por otra parte, la influencia de Morrison sobre las nuevas generaciones de compositores y músicos es general, y entre los artistas figura el cantante irlandés Damien Rice, que ha sido descrito como el "heredero natural de Van Morrison". Ray Lamontagne, James Morrison, Paolo Nutini, Eric Lindell y David Gray^,también son algunos de los músicos jóvenes influidos por Morrison. Glen Hansard, de la banda de rock irlandés The Frames, enumeró a Van Morrison como parte de su sagrada trinidad, junto a Bob Dylan y a Leonard Cohen, y versiona frecuentemente sus canciones en directo.

En general, Morrison ha apoyado a numerosos artistas y ha compartido en ocasiones el escenario con ellos. En el álbum en directo A Night in San Francisco tuvo como invitados especiales a sus ídolos de infancia Jimmy Witherspoon, John Lee Hooker y Junior Wells. Aunque en ocasiones haya expresado su disgusto, tanto en entrevistas como en canciones, con la industria musical y con los medios de comunicación en general, ha servido de instrumento de promoción en las carreras musicales de otros músicos y cantantes como Brian Kennedy y James Hunter.

Georges Benson

George Benson (Pittsburgh, 22 de marzo de 1943) es un guitarrista estadounidense de jazz; ha hecho también algunas exitosas aportaciones al jazz vocal (su voz es grave y su canto similar en su manierismo al de artistas como Stevie Wonder y Donny Hathaway). Se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido además encendidos elogios por parte de la crítica.

Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It should have been me" a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gran dominio de la velocidad de ejecución y del swing.

Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro caras para el sello X de RCA en 1954; formó también una banda de rock a los 17 en la que ya tocaba la guitarra. Su audición de las grabaciones de Christian, Montgomery y Charlie Parker le llevaron a interesarse en el jazz y, hacia 1962, empezó a tocar en la banda de Brother Jack McDuff.

Tras formar su grupo en 1965, Benson grabó dos discos de soul jazz y hard bop para Columbia y colaboró en otros discos con artistas como Miles Davis, en Miles in the Sky. Firmó con Verve en 1967 y, tras la muerte de Montgomery, el productor Creed Taylor le hizo grabar con grandes conjuntos en A&M (1968-1969) y CTI (1971-1976).

Estos discos le convirtieron en una estella dentro del mundo del jazz, popularmente empezó a adquirir resonancia tras prodigarse más en lo vocal tras firmar con Warner Bros. en 1976. Su primer disco para esta compañía, Breezin', se convirtió en un éxito gracias a su solo vocal en la canción "This Masquerade" lo que le llevó a frecuentar la fusión con el pop, cuya culminación fue el disco producido por Quincy Jones, Give Me the Night (1980). Durante los ochenta frecuentó material comercial dejando su guitarra únicamente como acompañamiento. A finales de los ochenta, volvió a terrenos jazzísticos grabando un disco de estándares, Tenderly, y otro con la banda de Basie, en los que su guitarra volvió a tener protagonismo. Su oscilación entre el jazz y el pop ha sido frecuente desde entonces....

Divas del Jazz - 18

2012-01-19T09:54:00.000-08:00

Ann Hampton Callaway

Ann Hampton Callaway (nacida el 30 de mayo de 1958) es una cantante, compositora, escritora, pianista, y actriz. Ella es muy conocida por componer y cantar el tema de la serie cómica de TV The Nanny y de protagonizar en el musical de Broadway Swing!, donde ganó la Theater World Award y fue nominada por la Tony Best Supporting Actress en un Musical.

Ocasionalmente, también actua con su hermana Liz Callaway. El 3 de noviembre de 2006, obtenía el título de master en la Cornish College of the Arts.

Callaway fue definida por el New York Times en 2011 como una cantante de jazz-cabaret que "arde más de lo que arde". Ella actuó para el presidente Clinton en Washington DC y fue el artista invitada para la Cumbre del presidente Gorbachov en el acto de los Jóvenes por la Paz en Moscú . Ha grabado y actuado en el premiado espectáculo "Revelry hermanos" con su hermana la estrella de Broadway Liz Callaway. Ann Callaway se asocia con su incansable dedicación al gran cancionero americano y ha producido dos programas especiales aclamada por la crítica de televisión con invitadas como Liza Minnelli y Christine Ebersole

Callaway nombrada con el Premio Grammy sello Telarc International recientemente y el resultado fue el blues CD en la noche, un homenaje a su actuación en el área de Chicago. Su nuevo CD, el último fue publicado en febrero de 2010 con críticas muy favorables. Ann ha grabado dos CDs de vacaciones: Holiday Pops! y su CD en solitario, en esta Navidad . Su grabación cuenta con las canciones de la firma de las leyendas del jazz del siglo 20, realizada con el pianista Kenny Barron y artista invitado de Wynton Marsalis. También ha sido artista invitado en más de cuarenta discos compactos.

Callaway ha compuesto más de 250 canciones para la televisión. Su música y letras han sido interpretadas y grabadas por Barbra Streisand, Liza Minnelli, Patti LuPone, Michael Feinstein, , Peter Nero, Allyson Karrin, Donna McKechnie, Harvey Fierstein, Blanco Lillias, Carrol Barbara, Amanda McBroom, Liz Callaway y Carole King.

El Cole Porter Estate reconoce oficialmente a Ann Hampton Callaway, como la única compositora que ha colaborado con Cole Porter, que puso su música a su letra después de su muerte descubrí, "miro en tus ojos". Fue registrado por primera vez por Ann Cole serie Ben Bagley Porter Revisited. Más tarde, la canción fue grabada por Elaine Paige y se presentó en el West End golpeó revista musical .

Callaway ha actuado en numerosos programas de televisión como The Today Show, de la CNN Larry King Live, The Charlie Rose Show, The Oprah Winfrey Show, The Rosie O'Donnell Show, y ABC News. Actuó en "Swing Midnight" para la televisión PBS especial Live from Lincoln Center y fue ofrecido en otro especial de PBS con Keith Lockhart y Boston Pops. También ha actuado para el Cuarto de Macy de los fuegos artificiales de julio espectaculares y ha hecho dos apariciones en el Desfile de Macy NBC del Día de Acción de Gracias. Se presentó en el Festival de Jazz de Vail en 2010.

Callaway entre sus honores incluyen recibir una nominación al premio Tony por "Mejor Actriz de Reparto en un Musical" por su trabajo en Swing! y ganar el premio Theatre World por "Mejor Debut en Broadway". Ella ha ganado catorce premios de la Asociación de Manhattan Cabarets y Clubes, dos Premios Backstage Bistro, El Premio de Vida nocturna en 2005, el Premio Johnny Mercer y el compositor Norman Vincent Peale Premio de Pensamiento Positivo.

YOIO CUESTA

En 1987 comienza en Barcelona, la ciudad en que reside, sus primeras incursiones en la danza como bailarina principal de la compañía New Face con quien actúa en diferentes salas como Scala, Trauma y otras. En 1988 comienza una aventura con el teatro que dura dos años, trabajando con la compañía "Cosas de casa". Continua con la música entrando a formar parte del grupo Tzaboo como corista, con quienes edita dos discos en la compañía Dro East-West, esto les conducirá a hacer varias televisiones y competir en el Festival de Benidorm.

En 1992 marcha a Almería y se adentra en el mundo del jazz con la ayuda del maestro Paco Ribas guitarrista de reconocido prestigio, con quien amplia notablemente sus conocimientos musicales. Con él y con Diego Cruz forman el Acoustic Soul trío, donde hacen versiones de standars de jazz y soul. Alterna este grupo con grabaciones como corista para artistas como Los Sencillos, Ea, Ópera Prima y otros, además de numerosos jingles para publicidad.

En 1995 realiza una gira como solista del grupo Short -Fuse acompañando al mítico bluesman Henry Grey, con quien recorre Inglaterra e Irlanda, finalizando dicha gira en el Festival de Cork de éste último país. En 1997 junto a Paco Ribas y Diego Cruz, inician un proyecto discográfico llamado Insólito Club que desembocaría en el primer disco de esta joven artista con Dro East West, fusionando estilos como el funk”, o el acid jazz.

En 2001, tras la separación del grupo vuelve a Madrid y comienza a participar en espectáculos de House cantado y bailando como solista en salas como Cool (Madrid), Pin Up (Ibiza), Imagine (Bilbao), Shaman (Jordania) y otras. Ha participado en innumerables Jam sessions junto a músicos como Jorge Pardo, Paco Ribas, Larry Martin, Alejandro Vaquerizo, Tony Aguilar, Richie Ferrer, y Moisés Sánchez entre otros.

En la actualidad trabaja con la banda de Raúl Marques (salsa-funk) alternando con sus espectáculos de HOUSE y prepara su próximo disco en solitario. En la primavera de 2005 se integra como voz solista en Larry Martin Band para cantar algo le apasiona, el Jazz & Blues.

Divas del Jazz 17

2011-12-31T07:55:00.000-08:00

Kellylee Evans

Kellylee Evans sigue evolucionando su sonido distintivo con su última versión de Nina. Este año fue nominada al premio Gemini. Ha recibido elogios por sus dos primeros discos, Fight or Flight y The Good Girl, fusiona jazz y su propio estilo de "pop alma". Nina, su nueva versión, es un hermoso homenaje a uno de los más grandes vocalistas de jazz y pianista Nina Simone.

"Con mi último CD, lo que hice en 2004, sentí que aún no había tenido la oportunidad de llevar a cabo mis ideas. Quería esta vez la oportunidad para ver a dónde irían las canciones por mi cuenta", dice . "La canción" Good Girl "es acerca de no querer estar a la altura de nadie más las expectativas. El álbum entero se trata de ser fiel a ti mismo y la idea de tratar de complacer a todos a tu alrededor. Es precisamente este deseo de no ser una chica buena de nadie.

La grabación del album de pop-soul editado 2006, Good Girl, sigue su estilo aclamado de urbano-jazz, la lucha o la huida, lo cual le dio el premio Juno y las nominaciones al premio Gemini en 2007 y ganar una a la mejor artista femenina en los Premios de Jazz canadiense suave. Good Girl fue escrita y producida por Kellylee en un estudio de grabación en Perth, Ontario, con la ayuda del ingeniero y co-productor Steve Foley y su banda de gira de confianza desde 2005.

La cantante canadiense fue abordada por el sello francés que la había descubierto a través de su sitio segunda actuación en el Jazz Thelonious Monk. Después de varios años de debate, fue invitada a Francia en noviembre de 2009, donde pasó dos días en el estudio. "Me dijeron que podía hacer lo que quisiera, siempre y cuando respetase las normas , recuerda Evans. "Yo siempre había querido hacer un homenaje Nina Simone. Ella fue una de las favoritas de mi madre, y mi marido, y la quiero demasiado. Así que le eligió y que fueron realmente Gung Ho".

El amor de Evans y el respeto de las grabaciones originales de la música brilla a través de sus canciones. Incluso en la adopción de algunas canciones de repertorio más emblemático de Nina Simone. Ella se reúne con el guitarrista Marvin Sewell (Jason Moran, Cassandra Wilson), que apareció en su primer álbum, y se unió el bajista François Moutin (Cuarteto Moutin Reunion, Rudresh Mahanthappa), y el baterista André Ceccarelli (Dee Dee Bridgewater, Biréli Lagrène). La cantante y compositora Kellylee Evans está entrando en la siguiente fase de su carrera musical con su segundo álbum, Good Girl.

Desde la reflexión "Cuestionar mi camino" información sobre la búsqueda de la identidad, a la ranura mencionada inspiración "Good Girl", y juguetón abrir los ojos "Tonight" no querer caer en el amor con alguien, muchas de la oferta nuevas canciones con la obsesión de un tipo u otro y una actitud permanente evolución de las cosas grandes y pequeños.

"Si tan sólo mirar las cosas simples, como hace un mes que no usaba maquillaje y ahora lo hago todos los días. Hace unos años me dijeron que era alérgico a las fragancias y lo que no hizo uso de todo lo que estaba perfumado y Ahora, donde quiera que vaya, estoy buscando un aroma perfecto para llevar ", se ríe. "Y todavía hay gente en mi vida que no he visto desde hace tiempo que son como, 'Oh Kellylee, que está comiendo carne. Tú eras el más grande vegano!'

"Cuando comencé a escribir mis propias cosas, yo siempre estaba pensando que no era jazz, pero todo el mundo pensaba que era, y cuando miré para los músicos para hacer" Fight or Flight ", todo el mundo que yo sabía que estaba en el mundo del jazz, por lo que sonaba como el jazz ", explica Kellylee. Incluso obtuvo el segundo lugar en el prestigioso Thelonius Monk Concurso Internacional de Jazz de Vocales, cuyos jueces incluidos Quincy Jones y Al Jarreau. Pero Good Girl es diferente.

Mientras que "Cuestionar Mi Camino" tiene un ambiente de jazz-pop que no puede escapar, "Tonight" es el de adormidera como se obtiene y "Is It Love" y "Lost" tiene un reggae / dub sentir eso arraigada en su cultura. Es un álbum muy vibey, dice ella. Es más la atmósfera de lucha o de vuelo.
"Good Girl", resume el álbum más que cualquiera de las otras canciones, pero "Cuestionar Mi Camino" se acerca. "Se trata constantemente tratando de averiguar el camino correcto a seguir y quién debe y quién debe escuchar y darse cuenta de que yo debería escucharme a mí mismo", concluye.

Con su último lanzamiento, titulado Nina, la vocalista de jazz Kellylee Evans sigue evolucionando su sonido distintivo. Sus dos primeros álbumes, Fight or Flight y The Good Girl, sin problemas fusiona jazz y su estilo propio y único del pop soul. Nina es un hermoso tributo a uno de los más grandes vocalistas de jazz y pianistas, Nina Simone. Evanstiene el amor y el respeto de las grabaciones originales, su música siempre brilla, pero, incluso en la adopción de algunas las canciones, del repertorio emblemático de la gran Simone , las doce canciones del álbum se muestran con la versatilidad propia de Evans, la creatividad y musicalidad innata. Ella se reúne con el guitarrista Marvin Sewell, que apareció en su primer álbum, y se unió el bajista François Moutin y el batería André Ceccarelli. La cantante canadiense hace su debut en el sello francés Plus Loin Music

Patricia Barber

Patricia Barber (Chicago, 1956) es una cantante, pianista y compositora estadounidense de jazz. Se trata de una de las voces jazzísticas más aclamadas por la crítica desde finales del siglo XX.

El estilo de Patricia Barber se aleja de la corriente convencional de aproximación entre jazz y pop (aunque gusta de adaptar al jazz composiciones del pop), y apuesta por el riesgo y la innovación a través de la improvisación y de la elaboración de su propio material. Su característica más definitoria es su voz: oscura, grave, y cercana a la de un alto. Su música se caracteriza por presentar una atmósfera introspectiva, pausada, minimalista, y muy atenta al ritmo y a la melodía.

Es hija de músicos: un antiguo componente de la orquesta de Glenn Miller, Floyd 'Shim' Barber, y una cantante de blues. Estudia piano clásico y psicología en la Universidad de Iowa. Después de un periodo de aprendizaje en locales de Chicago, en 1984 consigue actuar cinco noches durante la semana en una afamada sala de Chicago, el Gold Star Sardine Bar.

Discografía

En 1989 grabó un disco autoeditado llamado Split.
En 1992 graba su primer disco, A Distortion of Love, para Verve.
En 1994, tras haberse cambiado al club Glenn Mill, edita Café Blue, que se ve recompensado con el premio a la mejor vocalista del año para la revista Donwbeat. El disco presenta todas las características de la obra de Patricia Barber: una atmósfera musical introspetiva, extraña por sus letras, y de tempo lento, pausado; y una combinación de temas sofisticadamente accesibles y temas claramente vanguardistas, con numerosos instrumentos de percusión sutilmente tocados para crear un ambiente minimalista y nada convencional.

Música Popular Brasileña 26

2011-12-29T03:50:00.000-08:00

Roberto Menescal

Roberto Menescal Battle (Victoria, 25 de octubre de 1937) es un gran músico brasileño. Fue uno de los fundadores del movimiento de la bossa nova.

Asistió a las reuniones junto a la cantante Nara Leão, en Copacabana, donde el movimiento comenzó. Menescal es uno de los compositores más importantes, junto a Tom Jobim, Carlos Lyra, Vinicius de Moraes.Sus canciones que hoy siguen siendo himnos en movimiento y la música popular en sí, como “El barco, usted, nosotros y el mar, Oh, si pudiera, de Río, entre otros. Boscoli Ronaldo es uno de los más ha colaborado con él.

Sus canciones casi siempre tienen el mar como tema central. Como músico, ha acompañado en conciertos y grabaciones, a Nara Leão, Wanda Sa, Sylvia Telles, Lucio Alves, Maysa, Aracy de Almeida, Dorival Caymmi, Elis Regina, entre otros. La cantante de Zizi Possi, tuvo la oportunidad de grabar su primer álbum de su carrera en 1978 acompañado de Menescal.

Tocó junto a los músicos Luiz Eca, Luiz Viñas Carlos Castilho Bebeto, Milito Helcio, Eumir Deodato, Marotta Ugo, Barrozo Sergio, Oscar Castro Neves, Palma Joao , Machado Edison, Wilson das Neves, Adolfo Antonio, Hermes Contesini , José Roberto Bertrami , Joao Donato y muchos otros.

Además de ser un gran músico, es un productor de música, que se inició este trabajo en 1964 con el LP “Sin apretar”, álbum debut de la cantante Wanda Sá. Más tarde, pasó a producir álbumes para el sello Polygram -Universal Music, donde también fue director artístico entre 1970 y 1986.

Compuso la banda sonora de la película francesa Joan y Bye Bye Brasil, junto a Carlos Diegues, y en colaboración con Chico Buarque.

En la actualidad, además de tocar la guitarra tiene un sello discográfico y gestionar nuevos grupos y proyectos musicales, tales como Bossacucanova. Este último trabajo fue para producir un documental sobre la bossa nova, titulado “Lo más hermoso en el año 2005”, con su viejo amigo Carlos Lyra.

Ha producido álbumes para artistas como Elis Regina, Nara Leo, Chico Buarque, Maysa, MPB-4, Maria Bethania, Leila Pinheiro, Peixoto Cauby, Cariocas Os, Leny Andrade, Danilo Caymmi, Wanda Sa, entre otros

Los grandes del Jazz-17

2011-12-07T09:22:00.000-08:00

Trombone Shorty

Troy Andrews (nacido el 02 de enero 1986) es un trombón y trompetista de Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos. Él va por el nombre artístico de "Trombone Shorty" y es el hermano menor del trompetista y director de orquesta James Andrews, así como el nieto del cantante y compositor Jessie Hill. Andrews comenzó a tocar el trombón a los seis años, y desde 2009 ha jugado en la banda de la avenida Orleans.

Andrés se crió en el barrio de Nueva Orleans 'Treme y participó en los desfiles de banda de música cuando era niño. Él era director de orquesta a la edad de seis años.

New Orleans Jazz & Heritage Festival, 1991: "Brass Band Carlsberg" de Dinamarca con los jóvenes "Trombone Shorty" Andrews Troy en el trombón.
En 2005, Andrews fue un miembro destacado de la sección de vientos de Lenny Kravitz en una gira mundial que comparte cartel con actos como Aerosmith.

Seis semanas después de los diques fallaron en Nueva Orleans el 29 de agosto de 2005, algunos de los más grandes músicos de la ciudad llegó a Austin, Texas, para grabar un CD beneficio llamado Sing Me Back Home en los Estudios de alambre con los productores de sacos de Leo y Bardani Ray. Con sus vidas en transición, el colectivo se hizo conocido como el New Orleans Social Club. Andrews fue el invitado especial en "Hey Troy, tu mamá te llama," un homenaje a "Hey Leroy, tu mamá te llama", que era un Latin-jazz-soul golpe para la tribu de Jimmy Castor en los expedientes rotura violenta en 1966.

Andrews también se realiza en "¿Dónde Y'At" como parte de la sala sexta de las Estrellas Revue Brass Band con Charles Neville de los Neville Brothers.
En Londres, durante el verano de 2006, Andrews comenzó a trabajar con el productor Bob Ezrin y U2 en los estudios Abbey Road. Esta asociación llevó a Andrews tocando con U2 y Green Day durante la reapertura del Superdome de Nueva Orleans para el lunes de la NFL Night Football show previo al juego.

A finales de 2006, Andrews apareció en la cadena de televisión NBC de la serie Studio 60 on the Sunset Strip. [2] frente de un grupo de músicos de Nueva Orleans, se realizó el clásico navideño "O Holy Night". NBC lanzó el single para descarga gratuita.

A principios de 2007, Nueva Orleans revista musical llamada excéntricas Andrews su protagonista del año [3] Él también ganó los honores como Mejor Intérprete de Jazz Contemporáneo [3] También en 2007, aceptó una invitación para contribuir a Goin.. 'Home: A tributo a Fats Domino .

A partir de 2009, su proyecto actual es Orleans Avenue, un funk / pop / hip-hop mix entre músicos Mike Ballard en el bajo, Dan Oestreicher en saxo barítono, Tim McFatter en el saxo tenor, Pete Murano en la guitarra, Joey Peebles en la batería, y Dwayne "Big D" Williams en la percusión. Apareció en cuatro episodios de la serie de HBO Treme 2010.

En 2010, Andrews lanzó Backatown (Pronóstico Verve), que alcanzó éxitos de jazz contemporáneo de la revista Billboard en el # 1 y permaneció allí durante nueve semanas consecutivas. Trombone Shorty y Avenida Orleans recorrió toda América del Norte, Europa, Japón y Brasil, así como muestra de apoyo a Jeff Beck en el Reino Unido y Dave Matthews Band en los EE.UU. Se realiza en programas de televisión como The Late Show con David Letterman, The Tonight Show con Jay Leno, Jimmy Kimmel Live!, Bonaroo, y Austin City Limits. También grabó en CD los nuevos y próximos de Galáctica, Eric Clapton, y Lenny Kravitz y el nominado al Oscar "Down in New Orleans", con el Dr. John.

Steve Gadd

Steve Gadd aprendió las primeras nociones de música con un tío suyo, percusionista en una banda militar, y debutó después como bailarín de tip-tap, en una experiencia que resulto ser muy influyente para su posterior estilo percusivo. En 1957 adquirió su primera batería y estudio con Bill y Stanley Street tras algunos escarceos con grupos de locales de Rhythm and Blues y de Rock & Roll.

Estudió música en la Manhattan School Music y allí en Rochester tocó junto a Chuck Mangione. Continuó su perfeccionamiento con John Beck, timbalista de la "Eastman Rochester Symphony" comenzando así una brillante carrera, que como baterista le convirtió en el sideman mas solicitado en las grabaciones que se realizaban en el área de New York.

Luego llegaron tres años en el ejército donde pulió sus habilidades en big band y conocimientos básicos antes de entrar definitivamente en la escena musical de Nueva York en 1971. Alcanzó rápidamente una bien ganada fama y se sucedieron de manera incesante su visita a los estudios de grabación. Su magnífico talento brindaba musicalidad y soul con un firme Groove en cualquier estilo y su versatilidad era muy reconocida.

En aquellos años setenta, grabó con Joe Farrell, Chick Corea, Herbie Hancock, Ron Carter, George Benson, Stanley Clarke, Al Di Meola, Carla Bley y oyros grandes músicos de jazz. Algunas de sus grabaciones mas importantes fueron: "The Leprechaun" con el pianista Chick Corea; "Aja" con Steely Dan; y "Fifty Ways To Leave Your Lover" con Paul Simon.

Tras una epoca donde escaseaban las grabaciones en estudio, Steve Gadd regresó a Rochester y en la actualidad, su actividad está mas dirigida a la realización de giras y conciertos allí donde lo llaman. Una de las mas celebradas fue su participación en las giras mundiales de Eric Clapton y con Paul Simon y James Taylor. De grandes dotes técnicas, Steve Gadd es uno de los primeros músicos que iniciaron su incursión en el llamado jazz-rock.

Divas del Jazz - 16

2011-10-21T08:59:00.000-07:00

LUISA SOBRAL

Portuguesa de nacimiento, de formación estadounidense, brasileña, y beatleniana con corazón de jazz. Luisa Sobral escribe sus canciones y las canta. Refleja sencillez, originalidad, síntesis.

La cereza en el pastel supone la irrupción de esta deslumbrante portuguéesa lusitana en la Escena musical ¡y de qué modo, la celebración de las colocaciones de alto, pero de las listas de Las Ventas) que mal y Su mundo Presentación carta solvente. Con Sobral sorprende sin registro insospechada madurez vocal y Una Unas canciones un camino entre el pop del Medio y El jazz Haran Las Delicias de los aficionados una melodías las "perfectas", las Voces Personales y los discursos que se combinan la eficacia de Con La Misma y desenfado interpretación seria.

Luisa Sobral. Voz, guitarra, lápiz y papel. Y desde allí todo un universo musical se genera para cada canción compuesta. 23 años son las opciones abiertas madura. Instintiva y soñadores. "La cereza en el pastel de mi" es el resultado de todas estas posibilidades. Canciones cargadas de imágenes. Videos imaginado por cada medida de música. Es el primer álbum firmado en nombre de sí mismo un viaje musical que comenzó a los 12 años.

Fue con una guitarra comenzó a simpatizar con los instrumentos. Fue con la guitarra se dio cuenta de dónde vienen los acordes de las canciones de sus padres. The Beatles y otros. Y fue desde muy temprana edad que dio a las canciones que el jazz sólo se inmortalizó. La capacidad de la melodía de vivir solo, sin la necesidad de acompañamiento instrumental. Señaló nombres como Billie Holiday, Ella Fitzerald, Chet Baker, entre otros. Y con ellos fui a Berklee College of Music en Boston (EE.UU.), para formar en la música.

Durante los cuatro años de estancia en Boston fue nominada a "mejor canción de Jazz" en los Premios de Música Malibu (2008), "Mejor Artista de Jazz" en los Premios de Música de Hollywood, "La competencia Songwirting Internacional" (2007) e incluso "La Composición John Lennon la competencia "(2008).

Pero más que las citas o las sillas completas, Louise se encontró cada año. La identidad musical se desarrollará en Nueva York, a donde se mudó después de completar el curso en Boston (2009). En el equipaje tomó mucho más tiempo de lo que sería consumado en las canciones que giraban en su cabeza. En ella y la madre de Louise, quien confesó que había tenido un sueño que el primer disco Louise se llaman "The Cherry en mi pastel." La magia de la madre para hacer realidad los sueños.

El aprendizaje de los standards de jazz, para actuar en las barras de cuna con un repertorio de música brasileña con vida y la creación de todas las canciones se filtraron tiempo para que tanto el papel y comenzó los acordes. Sucesión de ellos. Melodías e imágenes en el interior. "Me encantaría", "Don` t Let Me Down "," ¿Por qué debo ", entre otras canciones que se han unido a un EP (" Pasión de Humor "). Lo más destacado para el tema de arranque era obvia: "no existe todavía." Un compás ternario, que el vals de jazz con los colores, el coro impresionante y violines en el cielo.

La composición del disco no está cerrado en el idioma Inglés. Entre ir y venir a Portugal, Super Bock actuó en la reserva en 2009. Durante el concierto se arrepiente de no haber una canción cantada en portugués. En el momento de regresar a los Estados Unidos saca un poema y la melodía de "El limpiabotas". De ello se desprende "Xico y Dolores." Para el registro que hizo, no era la voluntad de una versión. Nadie mejor que Rui Veloso. Artista se entera de que su padre insistió. Louise tomó nota de la carta de Charles tiene una versión diferente y trató de "salir a la calle."

"La cereza en el pastel de mi" es el resultado de todo esto. Que sueña con vivir en París - inspiración total para el cine francés. El frenesí de Nueva York. Lisboa afecto familiar. Regina Elis Regina Spektor. De Billie Holiday a Bjork. 50 años de ingenuidad. Del sonido a la imagen. Voz y su talento. "Tengo una buena vida", dice.

Joana Machado

Joana Machado, nació en Funchal, la capital de Madeira. Inferimos que la luminosidad y el aislamiento de la isla influyen en su música, pero ella duda. «Quizá. Con relación a Madeira desarrollé cierta fobia, aunque realmente es una tierra hermosa con un clima de ensueño. La inmensidad del mar siempre me hizo soñar mientras crecía. Me hizo preguntarme qué habría más allá del horizonte. En ese aspecto puedo decir que sí contribuyó a mi creatividad».

Joana se formó en Nueva York, donde los rascacielos tapan el horizonte. «¡Sentí un enorme contraste! Sobre todo en cuanto a mentalidad. Viví en Lisboa de 1995 al 2001 antes de irme a Nueva York, y por eso puedo decir que el choque fue menor. No resultó una experiencia contemplativa sino una intensa vivencia y mucho trabajo: trabajar, comer, dormir».

En La Gran Manzana, la diva completó sus estudios, pues canta jazz, toca piano clásico... «¡Me gusta considerarme una artista multidisciplinar con formación jazzística! Adoro todas las formas de arte. En mi música hay diseño -en lo que estoy graduada-, cine, danza, teatro y artes plásticas». Estudiar música clásica ayuda a dominar la música en general. «Claro. Es una forma de ganar excelencia en la interpretación, afinación, precisión, etc.».

Sobre sus influencias jazzísticas, Joana enumera las siguientes: «Me inspira mucho escuchar las grabaciones del quinteto de Miles Davis en los años 60, con Hancock, Shorter, Carter y Williams. O los discos de Blue Note de Joe Henderson o Lee Morgan, entre muchos otros. Mis cantantes de jazz antiguos favoritos son Betty Carter, Carmen McRae, Sarah Vaughan, Andy Bey, Johnny Hartman, Tony Bennett... Otras influencias son Elis Regina, Edu Lobo o Milton Nascimento, y algunas más recientes son Rebecca Martin, Lizz Wright, Luciana Souza...».

La primera vez que oímos su nuevo disco pensamos que era brasileña, pues se colegía que le influía también la alegría de Brasil. Conviene la interfecta: «¡Sí! ¡Mucho! Soy una investigadora de la música brasileña en su vertiente más intelectual. Adoro los clásicos de la bossa nova: Jobim, Buarque, Lobo, Baden Powell, Guinga, Villa Lobos, Hermeto Pascoal...».

Mediante su voz Joana Machado es capaz de expresar diversas sensaciones como un instrumento. «Busco emociones, sonidos que no pertenecen a las palabras: gritos, rabia, nostalgias, alegrías... Es algo muy abstracto». La música del pianista gallego Abe Rábade, otro jazzman con estudios clásicos, brota esencial en el último disco de Joana, ‘Travessia dos poetas-Rosapeixe’. Le halaga Machado: «Es un amigo muy especial desde que lo conocí en 2002».

Música Popular Brasileña 25

2011-10-18T08:54:00.000-07:00

SIMONE

Simone Bittencourt de Oliveira, más conocida por su nombre artístico: Simone, es una famosa cantante brasileña nacida el 25 de diciembre de 1949 en San Salvador de Bahía. Creció en un ambiente musical: el padre había sido cantante de ópera y la madre tocaba piano. A los 16 años se muda a Sao Paulo, donde estudió y comenzó a jugar al baloncesto, llegando a integrar la selección brasilera.

Ha cantado tanto en su idioma materno, el portugués, como en español, obteniendo un éxito similar al de su compatriota Roberto Carlos, siendo también reconocida en el mundo de habla hispana. En 1973, después de oírla cantar entre amigos, Moacir Machado la invita para una prueba en el sello Odeón. Aprobada, firmó contrato por cuatro años y así, el 20 de marzo de 1973, grabó su primer LP, "Simone".

En 1976 grabó la canción O Que Será, tema principal de la película Doña Flor y sus dos maridos, ocasión en la que conoció a Chico Buarque. En 1977 editó el álbum Face a Face, considerado por la crítica como uno de los mejores de ese año.En 1978 lanzó Cigarra, su quinto LP, que incluye la canción homónima compuesta por Milton Nascimento especialmente para ella.

Fue la primera cantante en llenar un estadio, el Maracanãzinho, en 1981, consagrándose como una gran estrella. En 1982, con el show "Canta Brasil", llevó al estadio de Morumbí, en Sao Paulo, a 15 mil personas cada noche de espectáculo. También ha cantado a dúo con el cubano Pablo Milanés su canción titulada Yolanda, y con Daniela Romo en 1998 Mi amor.

Uno de los íconos de la canción brasileña se presenta con el cantautor Ivan Lins en el Broward Center. La popular cantante brasileña Simone interpreta temas en su portugués natal y en español en el concierto que ofrece esa noche junto al famoso compositor Ivan Lins en el Broward Center. “Procuro olvidarte”, “Pecado”, “Mujer contra mujer”, son algunos de los temas que la han popularizado en toda Latinoamérica.

MARIA RITA

Maria Rita es el nombre artístico de Maria Rita Mariano, cantante brasileña e hija de Elis Regina y del compositor César Camargo Mariano. Maria Rita nació en la ciudad de Sao Paulo el 19 de setiembre de 1977. Inició su carrera a los 24 años; el nombre de su madre, Elis Regina, muy famosa en Brasil y en el ambiente de la música latinoamericana en general, influenció en el inicio de su carrera aunque no se arrepiente de ello, dice "Encaro la vida como un gran proceso hecho de varios pequeños procesos en el camino.

Siempre quise cantar, pero la cuestión no era el querer, era el por qué. No me gusta hacer nada sin tener un porqué. Es más fácil cuando uno tiene un objetivo, una meta. El motivo comenzó a existir cuando percibí que quedaría loca si no cantaba".Cuando alguien carga con un peso de una herencia como el de Maria Rita, tiene dos caminos: se diferencia radicalmente o la imita sin prejuicios. Ambas opciones son una respuesta.

Maria Rita no reniega ni hace alarde de su condición de hija de Elis Regina sino que lo suma como dato ineludible y sigue. Antes incluso de lanzar su primer CD, fue la vencedora del Premio APCA de 2002 como Revelación del año. Su primero disco, 'Maria Rita', lanzado en septiembre de 2003, vendió más de 1 millón de copias en todo el mundo.

El primer DVD, que trae el mismo título y estuvo en tiendas la primera semana de noviembre de aquel año, llegó a vender más de 150 mil copias. Ambos fueron lanzados en más de 30 países. Maria Rita ganó premios importantísimos en 2004: Grammy Latino en las categorías Revelación del Año, Mejor Álbum de MPB y Mejor Canción en Portugués ('A festa'); Premio Hace la Diferencia (ofrecido por el diario 'El Globo').

El trofeo de la categoría Mejor Cantante del Premio Multishow y los del Premio Tim en las categorías Revelación y Elección del Público. En el año 2006, gana dos Grammys Latinos más -- Mejor Álbum de MPB y Mejor Canción Brasileña con 'Caminho das Águas' de Rodrigo Maranhão -- y participa en más de 50 presentaciones internacionales con éxito absoluto de público y crítica en el Montreux Jazz Festival, North Sea Jazz Festival, Irving Plaza (NE), San Francisco Jazz Festival, entre otros.

Los grandes del Jazz- 16

2011-10-07T01:42:00.000-07:00

Jimmy Smith

Jimmy Smith (Norristown, 8 de diciembre de 1928 - Scottsdale, 8 de febrero de 2005), organista estadounidense de jazz. Su estilo es el del hard bop y el funky jazz, fusión del jazz con el funk, el soul, el R&B, el blues, etc.

Experto en el órgano Hammond, revolucionó a lo largo de los años cincuenta y sesenta su interpretación, popularizándolo y habilitándolo definitivamente como instrumento de jazz. Sus sesiones para Blue Note entre 1956 y 1963 se han convertido en clásicos del jazz y siguen siendo tan influyentes como lo fueron entonces.

Nacido en una familia con fuertes inclinaciones musicales, fue una especie de niño prodigio y ganó un concurso de niños prodigio a los nueve años. En un principio, durante su adolescencia, aprendió a tocar el piano. Después de haber cumplido con el servicio militar, se matriculó en 1948 en la Hamilton School of Music, donde estudió el contrabajo, y en 1949 y 1950 estuvo en Filadelfia en la Ornstein School of Music en la especialidad de piano.

A comienzos de los años cincuenta, durante su estancia con la formación, casi de rhythm and blues, Don Gardner And His Sonotones, Smith empezó a tocar el órgano Hammond en 1951 y pronto alcanzó una gran reputación que le siguió hasta Nueva York donde debutó en el Café Bohemia. A finales de 1955 formó su propio trío de órgano y aplicó su concepción musical modernista a ese instrumento.

Unas actuaciones en Birdland y en el Festival de Jazz de Newport de 1957 potenciaron su carrera. Sus grabaciones para Blue Note incluyen tanto grabaciones en trío como colaboraciones con artistas como Kenny Burrell, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean, Ike Quebec y Stanley Turrentine, entre otros. Smith consiguió también grandes éxitos con Verve entre 1963 y 1972, muchos de los cuales estaban protagonizados por big bands con arreglos de Oliver Nelson.

A lo largo de los años setenta (y también después en los ochenta) realizó varias giras mundiales, visitando países como Israel y Europa en 1974 y 1975. Con su mujer, abrió un club en Los Ángeles a mediados de los setenta. Regresó a Blue Note en 1985, produciendo nuevos discos de gran calidad. Tras unos cinco años de retiro, Smith regresó a comienzos de 2001 con nuevos proyectos y centrado sobre todo en actuaciones en directo en grandes festivales y clubes pequeños.

Reuben Wilson

Reuben Wilson es un organista estadounidense de jazz y soul jazz, y uno de los músicos pioneros del movimiento acid jazz.

Nacido en Mounds, Oklahoma, Reuben Wilson se trasladó de niño a Pasadena (California), donde tuvo como compañeros de escuela a futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. Wilson aprendió a tocar piano de forma autodidacta, pero cuando un amigo suyo le mostró el órgano Hammond, supo que ése era su instrumento.

Sus primeras influencias fueron Billy Larkin de the Delegates y, por supuesto, Jimmy Smith, pero pronto derivó su atención hacia el mundo del boxeo. Con 17 años se dirige a Los Ángeles y se casa con una cantante de nightclubs, a través de la cual conoce a un buen número de músicos profesionales, lo que redirige nuevamente sus pasos hacia la música.

Wilson, en lugar de dedicarse al piano, se hace con un órgano Hammond, y en poco tiempo se encuentra trabajando con el baterista Eddie Williams, con el guitarrista George Freeman, y con el saxofonista Clifford Scott. El músico permanece en el circuito de Los Ángeles durante unos años antes de probar suerte -sin éxito- en Las Vegas, tras lo cual regresa a Los Ángeles, donde establece una fuerte amistad con el también organista Richard "Groove" Holmes.

En Diciembre de 1966, Wilson se marcha a Nueva York, donde forma el trío de soul jazz the Wildcare Express con el baterista Tommy Derrick. Tras seis meses de trabajo, el organista decide concentrarse en variaciones más complejas dentro del estilo, introduciendo elementos más bop, lo que atrae a músicos como Grant Green, Roy Haynes, o Sam Rivers a la banda de WIlson. En esa época, la prestigiosa Blue Note Records le ofrece un contrato que Wilson no duda en aceptar.

El primer disco de Wilson con el nuevo sello ve la luz en 1968, bajo el título "On Broadway". En marzo de 1969 publica "Love Bug", con Lee Morgan, mientras que "Blue Mode" se edita en diciembre de ese mismo año. En 1970 sale a la venta "A Groovy Situation", en la nueva dirección, más comercial, que estaban siguiendo la mayoría de los artistas de Blue Note. "Set Us Free", de 1971, señala el fin de la relación de Wilson con la famosa editorial, pero éste sigue editando trabajos bajo otros señños menos conocidos durante el resto de la década, además de llevar a cabo trabajos de sesión con distintos artistas de funk y de jazz. Durante el final de la década de los 70, Wilson sólo graba esporádicamente y finalmente, a principios de los 80 tiene lugar su retiro.

En 1995, en pleno auge del movimiento acid jazz, y tras el redescubrimiento de su música en samples de artistas como A Tribe Called Quest, Us3, o Brand New Heaviess, Reuben Wilson vuelve a los escenarios con el proyecto Jazzmatazz de DJ Guru. En 1996 firma con el sello Hip Bop para editar dos álbumes, y desde entonces la actividad de estudio de Reuben Wilson ha sido incesante.

Referencia imprescindible en la historia del funk y del órgano Hammond, Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul jazz que emergieron a finales de la década de los 60, con la suerte de estar entre los pocos que lograron firmar con Blue Note Records. En una época en la que la editorial apostaba por una dirección menos purista, ninguno de sus trabajos para el sello lograron una fuerte aceptación en su época, pero fueron redescubiertos mucho más tarde por una nueva generación de fans que no desdeñaban sus licencias comerciales para convertirse instantáneamente en objetos de culto entre los aficionados al género.

La música de Wilson, una mezcla de jazz, pop, jazz fusion y funk inspiró a gente como Sly Stone y George Clinton, y a través de los trabajos de los artistas del sello "Acid Jazz", de Gilles Peterson y de los samples de DJs contemporáneos, continúa ejerciendo una profunda influencia en la escena musical.

Música Popular Brasileña - 24

2011-09-30T09:11:00.000-07:00

PAULINHO DA VIOLA

• Paulo César Batista de Faria (Río de Janeiro, 1942), más conocido como Paulinho da Viola, es un guitarrista y compositor brasilero, uno de los más importantes de la música de este país y probablemente el más destacado representante de la Escuela de Samba de Portela de la ciudad carioca.

Está considerado un heredero del legado de compositores como Cartola, Candeia y Nelson Cavaquinho.Paulinho da Viola también es famoso por su actividad como comentarista de los desfiles carnavalescos de Río (cuyas últimas ediciones ha criticado duramente por considerarlas de carácter puramente comercial).

• Hijo del gran guitarrista Cesar Faria. Paulinho creció en un ambiente musical por naturaleza.Durante su infancia en Botafogo, barrio tradicional de la zona sur de Río, tuvo contacto constante con la música a través de su padre, integrante del conjunto Época de Ouro. En los ensayos del conjunto, Paulinho conoció a Jacob do Bandolim y Pixinguinha, entre muchos otros músicos que se reunían para tocar choro o cantar valsas y sambas de diferentes épocas.

• A lo largo de los años 70, Paulinho grabó una media de un disco por año, ganó diversos premios y actuó por varias ciudades en Brasil y de todo el mundo. Ya en los 80, grabó cuatro discos más y se mantuvo como uno de los principales nombres del samba del país. En los 90, entró en una nueva fase, en la que la prensa y los críticos empezaron a verlo como un músico más sofisticado y maduro, aun sin perder su popularidad, como lo demuestran uno de sus más importantes trabAjos, el álbum Bebadosamba y el espectáculo homónimo.

• El trabajo de Paulinho hoy es visto como un lazo entre diversas tradiciones populares, como el samba, el carnaval y el choro, a lo que habría que añadir sus incursiones en la composición de temas para guitarra y piezas de vanguardia.

Ney de Sousa Pereira

Ney Matogroso (Bela Vista, 1 de agosto de 1941) es un cantante brasileño. Adoptó su nombre artístico en 1971, cuando llegó a São Paulo. El nombre Ney Matogrosso se debe al nombre de su Estado natal (Mato Grosso do Sul).

Desde pequeño ha mostrado vocación artística: cantaba, pintaba, interpretaba. Su niñez y adolescencia fueron marcadas por la soledad, hasta cumplir 17 años, cuando dejó la casa de su familia para ingresar en la Fuerza Aérea Brasileña. En ese momento, no tenía idea de lo que hacer de su vida. Le gustaba el teatro y cantaba ocasionalmente, pero llegó a trabajar en el laboratorio de anatomía patológica del Hospital de Base de Brasília, invitado por su primo.

Después de algún tiempo fue invitado a participar de un festival universitario y llegó a crear un cuarteto vocal, contra las protestas de su profesora de canto y a pesar de que el director del coro del cual formaba parte elogiase su voz especial. Después del festival hizo un poco de todo, hasta actuar en un programa de televisión. También concentró su atención en el teatro, decidido a ser actor. Siguiendo este sueño desembarcó en Río de Janeiro en 1966, donde pasó a vivir de la confección y venta de piezas de artesanía en cuero. Ney adoptó completamente la filosofía de vida hippie.

En este período, vivió entre Río, São Paulo y Brasília, hasta que conoció a João Ricardo; João buscaba un cantante de voz aguda para un conjunto musical y lo invitó para ser el cantante del grupo Secos e Molhados.

Dejó Secos e Molhados al año siguiente, después del gran estruendo que la banda causo en todo el país. En 1975 lanzó su primer disco solista, llamado "Água do Céu-Pássaro". El disco venía en una tapa de cartón rústico, con Ney Matogrosso pintado, vestido con pelos de mono, cuernos, pulseras de dientes de vaca. Fue considerado demasiado extravagante y pasó desapercibido para el público. En 1976 vino el reconocimiento con el disco "Bandido". La canción "Bandido Corazón", compuesta por Rita Lee se volvió un gran éxito en la voz de Ney. Todavía en esa época Ney escandalizaba a Brasil. Ney terminó la década de los 70 y comenzó la de los 80 totalmente transgresor, siendo amenazado varias veces por el régimen militar. En ese período Ney lanzó algunos de sus mayores éxitos: "Homem com H", "Calúnias", "Bandoleiro", "Espinha de bacalhau" (con Gal Costa), "Retrato Marron", entre otros.

Es en 1987 que Ney Matogrosso entra en una nueva fase: con el LP "Pescador de Pérolas", él muestra una faceta más segura. Abandona el maquillaje, viste un terno y atrae un nuevo público. A partir de ahí, Ney se consagró como uno de los mejores intérpretes de la MPB y también el más versátil. Durante la década de los 90 tocó con Rafael Rabelo, grabó un CD con canciones de Ángela María, grabó un CD solo con temas de Chico Buarque (el elogiadísimo CD "Um Brasileiro), grabó canciones de Cartola, y realizó una antología de sambas de los años 20 y 30. En 2004 volvió a los medios con el proyecto "Vagabundo", en el que canta con el grupo carioca "Pedro Luís e a Parede"

La gran marca de Ney es su voz aguda y sus intepretaciones marcantes, además de un fuerte apego a la sensualidad en escena.

Ney mantiene, en el Estado de Río de Janeiro, un área de preservación ambiental para los micos leones dorados, especie que llegó a ser amenazada de extinción.

Divas del Jazz - 15

2011-09-13T08:50:00.000-07:00

KEREN ANN ZEIDEL

Keren Ann Zeidel, conocida artísticamente como Keren Ann (Cesarea, Israel; 10 de marzo de 1974), cantante holandesa afincada en Francia. Su estilo mezcla la chanson francesa y el folk intimista, con sonidos modernos y refinados.

Biografía

Nacida en Israel, se crió en los Países Bajos hasta los 11 años, después su familia se instaló en Francia. Conserva la nacionalidad holandesa. Su padre desciende de judíos rusos y su madre es originaria de los Países Bajos.

Ha grabado sus dos primeros álbumes enteramente en francés, el tercero en inglés y el cuarto en ambos idiomas.

Su primer grupo, KAB (Keren Ann Band), duró tres años. En 1997, escribió la canción Father para la película K de Alexandre Arcady, en la que también tuvo una pequeña participación.

Al año siguiente, a los 24 años, formó el grupo femenino Shelby. Grabaron un disco y tuvieron cierto éxito con la canción 1+1+1, compuesta por Benjamin Biolay, con el que le unirá en el futuro una fructífera relación artística.

En el 2000, comenzó su carrera en solitario con La biographie de Luka Philipsen (Luka en homenaje a la canción de Suzanne Vega, Philipsen en homenaje a su abuela materna). El disco fue coescrito junto a Benjamin Biolay, que también lo produjo.

Usaron el mismo tándem para el siguiente: La disparition. (Además en agradecimiento, Keren Ann colaboró en el disco debut de Biolay Rose Kennedy). Juntos han escrito también canciones para el exitoso disco Chambre avec vue, que supuso el retorno de Henri Salvador a la música.

Not Going Anywhere, su tercer disco fue grabado enteramente en inglés en 2003 e incluye algunas canciones del anterior versionadas a este idioma. Este disco supuso su entrada en el mercado anglosajón, consolidado por el cuarto álbum, Nolita.

Nolita fue grabado en París y Nueva York en 2004 y cantado en francés e inglés. Su título proviene del barrio de Manhattan donde se alojó en la ciudad estadounidense.

En paralelo, Keren Ann forma parte de Lady & Bird, junto a Bardi Johannsson, del grupo islandés Bang Gang.

Nnenna Freelon

Nnenna Freelon, nació el 28 de julio de 1954. Es una artista estadounidense que ha destacado en el ámbito del jazz como cantante, compositora, productora y arreglista. Ha sido nominada cinco veces a los premios Grammy por su trabajos como vocalista.

Nnenna Freelon nació y creció en en Cambridge, Massachusetts. Ya de joven participó, como muchos otros artistas en sus comienzos, cantando en su comunidad religiosa, en la Unión Baptist Church y St. Paul AM.

Tiene dos hermanos Melvin y Debbie. Nnenna se graduó en el colegio Simmons de Massachusetts en Boston, con un título de Administración de Centros de Cuidados Sanitarios. Durante un tiempo, trabajó para el Durham County Hospital Corporation, en Durham, Carolina del Norte.

En 1979, se casó con el arquitecto Philip G. Freelon,^[2] y tiene tres hijos.

Aunque en sus inicios profesionales estuvo vinculan con los servicios religiosos y sociales, posteriormente amplió sus estudios con Yusef Lateef, y durante varios años estuvo con un grupo con el baterista Woody Williams. Ha colaborado con artistas de la talla de Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau, Anita Baker, Aretha Franklin, Dianne Reeves, Diana Krall, Ramsey Lewis, George Benson, Clark Terry, Herbie Hancock, Terence Blanchard, etcétera.

Nnenna Freelon se ha dedicado también a la enseñanza. Consiguió el apoyo la National Association of Partners in Education, que representa a más de 400.000 programas en los Estados Unidos.

Entre sus proyectos educativos destacan:

Concierto con conversación, una dinámica interactiva con las audiencias en la cual comparten experiencias y participaciones dentro de als canciones que interpretan;
Escultura del sonido, una experiencia con estudiantes con ejercicios vocales para investigar el peso psicológico y emocional de los sonidos.
Babysong, iniciativa para enseñar y animar a los padres a promover el desarrollo físico y emocional de sus niños cantándoles y haciéndoles escuchar música ya de bebés y de forma regular y constante.

Ha disfrutado del reconocimiento por parte del público y de la crítica especializada recibiendo los siguientes galardones:

Premio Billie Holiday del prestigioso Academic Du Jazz.
Premio Eubie Blake.
Premio Lady of Soul, dos nominaciones.

Premios Grammy

Ha sido nominada cinco veces